Cecily Brown, la peintre du désir qui délaisse les corps enlacés pour la foule

Cecily Brown

Naissance	1969 Londres, Angleterre
Profession	Peintre
Connu pour	Destricted

À force de contempler une toile de Cecily Brown, la tempête de coups de pinceau finit par laisser apparaître des corps : un genou, une bouche ouverte, deux silhouettes emmêlées sur ce qui se révèle être une berge. Cette lente apparition a contribué à créer un marché où ses tableaux s’échangent pour des millions, et c’est précisément ce que la peintre britannique semble aujourd’hui vouloir remettre en question. Cette année, son retour à Londres a rempli une galerie des jardins de Kensington de troncs abattus, de sentiers forestiers et de dessins à l’encre inspirés de livres pour enfants ; une critique est repartie en reconnaissant qu’elle était venue pour les orgies cachées et qu’elle avait trouvé Humpty Dumpty à la place.

Est-ce un repli, ou l’aboutissement logique d’une réflexion que Brown mène depuis toujours sur la peinture ? Elle a toujours voulu que ses tableaux restent insaisissables aux yeux de ceux qui les regardent. « Mon travail a toujours eu une sorte de nature instable, en ce sens que rien n’est fixé », a-t-elle confié à WSJ Magazine. « On croit savoir ce que l’on regarde. On regarde à nouveau, et tout change. » Ses nouvelles œuvres appliquent cette instabilité à sa propre réputation, ainsi qu’aux collectionneurs et aux critiques qui pensaient savoir ce qu’était un tableau de Cecily Brown.

Fille de la romancière Shena Mackay, Brown a grandi dans le Surrey après être née à Londres en 1969. Elle a étudié à l’Epsom School of Art et au Morley College, puis obtenu son diplôme de la Slade School of Fine Art en 1993. L’ami de la famille qui lui a fait découvrir Jasper Johns et Richard Serra et l’a emmenée voir Francis Bacon était le critique David Sylvester, dont les entretiens avec Bacon avaient été lus par tous les étudiants en art de l’époque. À 21 ans, alors qu’elle étudiait encore à la Slade, elle a appris que Sylvester était son père. Des années plus tard, elle a résumé les conséquences de cette découverte sans détour : « À Londres, je suis un bébé pistonné, et ici, les gens ne savent pas vraiment que mon père était quelqu’un d’important. » « Ici », c’était New York.

Elle s’y est installée en 1994, en partie parce que, dans le Londres de Damien Hirst et Sarah Lucas, l’envie de peindre était considérée comme quelque peu rétrograde. Jeffrey Deitch lui a consacré deux expositions personnelles chez Deitch Projects, à SoHo, en 1997 et 1998 ; toutes deux regorgeaient de lapins en train de copuler. En 2000, elle avait rejoint Gagosian, les lapins étaient devenus des corps humains à demi noyés dans une peinture épaisse et rapide, et ses prix avaient atteint six chiffres.

La célébrité est arrivée bien avant la reconnaissance critique : elle a posé pour Vanity Fair et a été associée à John Currin et Lisa Yuskavage, parmi les peintres figuratifs en vue du moment. Roberta Smith, du New York Times, a descendu sa première exposition chez Gagosian ; elle a raconté par la suite avoir trouvé les tableaux « inutilement brouillons, gratuitement provocateurs » et « faits pour se vendre » — ce qu’ils ont fait. Le soupçon a poursuivi Brown pendant dix ans : elle aurait emprunté l’assurance de Willem de Kooning et des expressionnistes abstraits sans en reprendre les enjeux, et les photographies auraient fait une partie du travail à sa place.

Ce soupçon passait à côté de tout ce que ses tableaux recèlent de références. Brown puise chez Rubens, Bruegel, Bosch et Goya, et emprunte ses titres au vieil Hollywood, comme pour Suddenly Last Summer. Ses dessins vont encore plus loin, jusqu’à la pochette d’Electric Ladyland de Jimi Hendrix. Le commissaire d’exposition Ian Alteveer a retracé les origines du mot « maid », qui revient dans ses titres, jusqu’à ses années d’études à Londres, lorsqu’elle payait ses factures en faisant le ménage chez des particuliers. En 2014, elle a discrètement quitté Gagosian, commencé à travailler avec Andrea Crane, ancienne directrice de la galerie, et réparti ses activités entre Paula Cooper, à New York, et Thomas Dane, à Londres. « Peut-être aurait-il mieux valu être davantage impliquée et ne pas avoir cédé autant de pouvoir », a-t-elle dit à propos de ce départ.

Le tournant a eu lieu au Metropolitan Museum of Art. Cecily Brown: Death and the Maid, commissariée par Alteveer et présentée d’avril à décembre 2023, était la première grande rétrospective de son œuvre à New York, articulée autour de crânes et de beautés se contemplant dans des miroirs. Brown a avoué avoir ressenti un « syndrome de l’imposteur total » avant l’ouverture. Smith a visité l’exposition trois fois, puis publié une chronique intitulée « I Was Wrong About Cecily Brown », reconnaissant qu’elle avait pris une complexité délibérée pour de l’agitation parce qu’elle n’avait jamais pris le temps de ralentir son propre regard.

Le marché, lui, avait cessé d’attendre les critiques depuis longtemps. Suddenly Last Summer s’est vendu environ 6,8 millions de dollars chez Sotheby’s en 2018 et, en novembre 2025, High Society, une toile de la période des lapins, a atteint 9,81 millions de dollars chez Sotheby’s à New York, dépassant de 44 % son précédent record. Brown a également mis cette influence au service d’une cause : en 2021, elle a fait don de There’ll be bluebirds, qui a rapporté 3,5 millions de livres sterling chez Christie’s au profit de ClientEarth, une association spécialisée dans le droit de l’environnement.

C’est pourquoi l’accueil réservé à Cecily Brown: Picture Making, présentée à Serpentine South de mars à septembre 2026, compte. Première grande exposition de ses peintures dans un musée britannique depuis celle de Modern Art Oxford en 2005, elle a donné une nouvelle forme aux reproches d’autrefois. The Arts Desk a désigné comme meilleur tableau de l’exposition une œuvre peinte plus de vingt ans auparavant, qualifié les toiles plus récentes de « lourdes et inertes » et rejeté la série des promenades dans la nature comme un « cliché pittoresque ». Cultbytes a titré sa critique en soulignant que Brown avait baissé d’un ton la charge érotique. Le reproche, désormais, est qu’elle ne serait plus la peintre pour laquelle les gens payaient. L’accusation est plus étrange que celle formulée par Smith en 2000, et elle en dit autant sur la marque que sur la touche.

Elle n’a pas ralenti pour leur répondre. A sunset, a ruin, a crowd, and a battle, sa quatrième exposition avec Thomas Dane et la deuxième dans son espace de Naples, a ouvert le 29 septembre et se poursuit jusqu’au 19 décembre 2026. Ses trente nouvelles peintures et ses dessins nous font passer du parc de son exposition londonienne aux plages d’un été européen. La pièce maîtresse, Sorrento Sunset, mesure près de quatre mètres de large : une ville touristique bondée où les visiteurs se disputent une place pour un selfie face à la lumière. Durant l’été, le Cranbrook Art Museum, dans le Michigan, a accroché l’une de ses grandes toiles aux côtés d’œuvres de Joan Mitchell et Sam Gilliam, des artistes auxquels on la compare depuis longtemps.

Brown vit à New York avec son mari, le critique d’architecture Nicolai Ouroussoff, qu’elle a épousé en 2008 ; leur fille est née l’année suivante. Elle travaille dans un atelier près d’Union Square et explique pouvoir passer, en une seule journée, d’une grande toile à une aquarelle, puis à une estampe.

Naples pourrait bien être la réponse à Londres. Les corps sont de retour, par grappes entières, mais ils ont désormais la peau rougie par le soleil, tiennent leur téléphone et font la queue pour des cocktails. Les collectionneurs qui voulaient voir des amants dans les sous-bois auront-ils envie de retrouver la foule sur la plage ? C’est la question ouverte de la prochaine décennie de Brown. Elle y a déjà répondu en peinture.

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