Le nouveau film Netflix Ruth & Boaz s’inscrit dans la longue et riche tradition de l’exégèse biblique cinématographique, un double processus d’interprétation impliquant à la fois les choix de production du réalisateur et la réception active du public. Plutôt qu’une reconstitution historique, l’œuvre est une transposition délibérée — une stratégie d’adaptation biblique moderne qui réduit la distance imaginative et émotionnelle pour le public contemporain en déplaçant les récits anciens dans un milieu culturel familier. Le film établit une dichotomie frappante entre deux de ces milieux : la scène hip-hop d’Atlanta, aux enjeux élevés et à vocation commerciale, et la quiétude pastorale du Tennessee rural. Ces décors deviennent les principaux théâtres d’une pièce de moralité moderne explorant les thèmes de la loyauté, du deuil et de la rédemption. Les origines conceptuelles du projet sont remarquables, ne découlant pas d’une proposition de studio conventionnelle, mais directement de l’engagement théologique du producteur DeVon Franklin avec le texte source. Le film a été conçu alors que Franklin, qui est également prédicateur, développait une série de sermons sur le Livre de Ruth. Au cours de ce processus, il a identifié une lacune importante dans le paysage culturel : l’absence d’une adaptation moderne de cette histoire particulière centrée sur des personnages de couleur. Cette vision pastorale a convergé avec sa recherche professionnelle d’un projet inaugural pour son partenariat cinématographique à caractère confessionnel avec le producteur Tyler Perry, dotant Ruth & Boaz d’une intentionnalité d’auteur distincte, ancrée dans le ministère et un message culturel.
Une narration de rédemption moderne
Le scénario, écrit par Michael Elliot et Cory Tynan, réinvente méticuleusement les archétypes bibliques pour un public moderne. La protagoniste, Ruth Moably, interprétée par Serayah McNeill, est réimaginée en tant qu’artiste hip-hop montante sur le point de signer un contrat majeur avec une maison de disques. Une tragédie personnelle — la mort de son petit ami — sert de catalyseur pour qu’elle abandonne cette carrière naissante et la vie glamour qu’elle représente. Fidèle au modèle scripturaire de loyauté inébranlable, elle déménage dans une petite ville du Tennessee pour s’occuper de Naomi, la mère endeuillée de son défunt petit ami, jouée par Phylicia Rashad. C’est dans ce nouvel environnement inconnu qu’elle rencontre la figure du parent rédempteur du film, Boaz, un propriétaire de vignoble interprété par Tyler Lepley. L’arc narratif suit le développement de leur romance alors que Ruth affronte le traumatisme non résolu de son passé et approfondit ses convictions spirituelles. Le choix de situer le domaine de Boaz dans un vignoble, par opposition aux champs d’orge du texte original, est une substitution symbolique puissante et délibérée. Dans le lexique judéo-chrétien, le vignoble est un symbole récurrent et puissant de bénédiction divine, de travail fructueux et du peuple élu de Dieu. Ce décor est placé en opposition directe avec la scène musicale d’Atlanta que Ruth laisse derrière elle, un monde dépeint comme transactionnel et finalement insatisfaisant. Son voyage physique de la scène au vignoble fonctionne ainsi comme une métaphore visuelle claire de sa transition spirituelle et émotionnelle d’une vie d’ambition mondaine à une vie de guérison, de croissance et de providence divine. La sélection des scénaristes souligne davantage la profondeur stratégique de la production. Michael Elliot est l’auteur de films culturellement significatifs tels que Brown Sugar et Carmen: A Hip Hopera, tandis que Cory Tynan a écrit Play’d: A Hip Hop Story. Leur filmographie collective démontre une expertise spécifique et éprouvée dans les récits qui fusionnent authentiquement la romance noire avec les subtilités de la culture musicale, garantissant que la prémisse fondamentale du film repose sur une construction d’univers crédible.
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Interprétation et caractérologie
Le poids thématique du film est porté par ses acteurs principaux. Serayah McNeill, dont le travail dans Empire l’a familiarisée avec les récits de l’industrie musicale, dépeint le parcours de Ruth à travers le deuil, le déracinement et la redécouverte éventuelle d’un but. Tyler Lepley, connu pour ses rôles dans P-Valley et Harlem, incarne Boaz non pas comme un sauveur mythologique, mais comme un homme pragmatique et généreux dont l’amour est présenté comme inconditionnel et non transactionnel. Leur alchimie à l’écran est au cœur du noyau romantique du film, une dynamique rendue plus complexe par ses origines inhabituelles hors écran. Les deux acteurs ont été choisis alors qu’ils jouaient simultanément le rôle de frère et sœur dans un film d’horreur intitulé Goons. Ce rapport professionnel préexistant, forgé dans un contexte de genre radicalement différent, a dû être transmué en une connexion romantique et confessionnelle, ajoutant une couche intertextuelle unique à leur performance. L’actrice chevronnée Phylicia Rashad, en tant que matriarche Naomi, sert d’ancre émotionnelle à l’histoire, conférant une importante solennité dramatique aux événements. Pour renforcer la vraisemblance du film, plusieurs sommités de l’industrie musicale ont été choisies pour des rôles secondaires, notamment Kenneth “Babyface” Edmonds, Jermaine Dupri, le rappeur chrétien Lecrae et Yung Joc. Leur présence confère une authenticité immédiate aux scènes se déroulant dans le monde de la musique d’Atlanta, ancrant le conflit initial du récit dans une réalité reconnaissable.
Le paysage cinématographique et sonore
L’esthétique du film est façonnée par une équipe créative dont les travaux antérieurs témoignent d’un engagement envers la substance dramatique. La réalisation est assurée par Alanna Brown, dont le premier long métrage, Les Arbres de la Paix, était un drame de survie claustrophobique et éprouvant sur quatre femmes se cachant pendant le génocide rwandais. Sa facilité établie avec la narration intense et axée sur les personnages et la création de liens humains sous une contrainte extrême informe le cœur émotionnel de Ruth & Boaz, l’élevant au-delà des conventions d’une romance légère. En engageant une réalisatrice dont la force prouvée réside dans la représentation de la résilience au creuset de la souffrance, les producteurs soulignent leur intention d’excaver les fondements psychologiques et émotionnels profonds du récit biblique. Le style de réalisation de Brown zoome souvent sur des décors intimes pour explorer des situations massives et terrifiantes, favorisant une compréhension plus profonde de l’humanité et traitant les sujets matures avec délicatesse plutôt que pour la valeur de choc. Cette vision de la réalisatrice est rendue à travers le langage visuel conçu par le directeur de la photographie Michael Negrin. Son travail établit un contraste thématique clair entre les deux principaux décors du film, en utilisant des schémas d’éclairage, des palettes de couleurs et des stratégies de composition distincts pour différencier l’énergie frénétique d’Atlanta de l’atmosphère tranquille et réparatrice du Tennessee rural. L’identité sonore du film est tout aussi cruciale. La musique est composée par Kurt Farquhar, un compositeur chevronné avec une histoire profonde et influente dans la composition pour des séries télévisées noires, ayant travaillé sur des émissions allant de Moesha à Black Lightning. Son approche est remarquablement polyvalente ; plutôt que d’adhérer à un seul style, il laisse l’histoire et les personnages guider sa main musicale, se considérant comme un instrument pour les réalisateurs et les producteurs. Cette adaptabilité, combinée à une histoire personnelle qui, selon lui, favorise une profonde empathie, rend ses compositions particulièrement efficaces dans des contextes dramatiques. La musique diégétique est également un dispositif narratif clé. Une chanson originale intitulée “Faithful”, composée par Kenneth “Babyface” Edmonds et interprétée par Serayah, fonctionne comme une expression directe de l’état intérieur de la protagoniste, articulant l’arc de son personnage et la progression thématique centrale du film, du désespoir à l’espoir.
Une intervention culturelle
En tant que produit culturel, Ruth & Boaz représente une initiative significative et stratégique. C’est le projet inaugural du partenariat très médiatisé entre Tyler Perry et DeVon Franklin, une collaboration explicitement conçue pour produire une série de films à caractère confessionnel pour la plateforme mondiale de Netflix. La mission déclarée du film est de “répandre un peu de bien” et d’“élever l’esprit humain”, le positionnant comme un contre-récit intentionnel à ce que les producteurs décrivent comme un monde de plus en plus froid et polarisant. Cette entreprise est une convergence stratégique de trois entités puissantes : le formidable empire de production et le public établi de Tyler Perry, la marque de médias inspirants grand public de DeVon Franklin, et la distribution mondiale inégalée et l’accès au marché basé sur les données de Netflix.
Le film a été diffusé pour la première fois sur Netflix le 26 septembre.
