La première mondiale de Dans la boue (En el barro) sur Netflix marque aujourd’hui l’un des événements les plus significatifs du calendrier télévisuel international. Cette série argentine de huit épisodes n’arrive pas comme une entité autonome, mais comme un spin-off très attendu du drame policier acclamé par la critique El Marginal, une production qui a redéfini le genre carcéral par sa vérisimilitude brute et ses études de personnages complexes. La nouvelle série plonge les spectateurs dans l’univers parallèle d’un pénitencier pour femmes, La Quebrada, à travers un catalyseur narratif de violence extrême et de solidarité soudaine. Un groupe de détenues, pour la plupart novices dans le système carcéral, survit à un accident mortel lors d’un transfert, émergeant d’une rivière littéralement et métaphoriquement baptisées dans la boue, un événement qui les forge en un collectif involontaire mais nécessaire.
Sous la houlette du créateur Sebastián Ortega et d’une équipe créative profondément enracinée dans la série originale, Dans la boue s’appuie sur l’esthétique crue de sa prédécesseure tout en entreprenant la tâche ambitieuse de forger sa propre identité. Une analyse de son premier épisode révèle une production qui n’est pas simplement le prolongement d’une franchise à succès, mais un dialogue thématique et cinématographique délibéré avec celle-ci. La série interroge les tropes établis du pouvoir, de la corruption et de la survie à travers un prisme genré, en utilisant un langage visuel sophistiqué pour explorer comment la communauté se forge non pas en marge de la société, mais à partir de ses espaces les plus élémentaires et délabrés.
Le cadre architectural : de San Onofre à La Quebrada
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L’existence même de Dans la boue témoigne de la nouvelle économie du streaming mondial et de la portée internationale de la narration argentine. Son cadre de production et sa direction créative révèlent une stratégie calculée pour étendre un univers éprouvé tout en approfondissant ses préoccupations thématiques.
Généalogie de la production : l’« univers Ortega » s’étend
Dans la boue est une coproduction internationale majeure, mobilisant les ressources de Netflix, d’Underground Producciones (une division de Telemundo Studios) et de Telemundo même. Cette triple alliance témoigne d’un investissement substantiel dans le talent et la propriété intellectuelle argentins, destiné à un public mondial. Le modèle s’inspire directement du succès d’ El Marginal, qui a acquis une immense popularité internationale après son acquisition et sa distribution par Netflix. La nouvelle série est explicitement positionnée comme une extension de l’univers narratif d’El Marginal, mais avec une histoire autonome qui déplace l’action vers une prison pour femmes. Cette approche est stratégiquement judicieuse, visant à fidéliser les fans de l’original tout en créant un nouveau point d’entrée pour les spectateurs qui ne connaissent pas le clan Borges de San Onofre.
L’ambition du projet se reflète dans son échelle physique. La production a renoncé aux lieux existants pour construire son décor principal à partir de zéro. Le tournage a eu lieu dans une vaste usine alimentaire désaffectée de Buenos Aires, au sein de laquelle l’ensemble du pénitencier de La Quebrada a été construit. Cette décision a fourni aux cinéastes un environnement entièrement contrôlé, un monde clos où chaque mur en décomposition et chaque barreau rouillé pouvaient être méticuleusement conçus et éclairés. Les bureaux administratifs de l’usine ont été réaménagés en quartier général de la production, créant un appareil de tournage très efficace et immersif qui souligne le budget et l’envergure considérables du projet.
La lignée créative : Sebastián Ortega et ses auteurs
La série est ancrée dans la vision singulière de son créateur, Sebastián Ortega, une figure dominante de la télévision et du cinéma argentins contemporains. La filmographie d’Ortega — qui comprend non seulement El Marginal, mais aussi le drame carcéral fondateur Tumberos (2002), la saga de crime réel Historia de un clan (2015) et le long métrage L’Ange (2018) — démontre une signature d’auteur constante. Son travail se caractérise par une représentation hyperréaliste et souvent brutale des subcultures criminelles, une fascination pour la moralité fluctuante des communautés marginalisées et une exploration des structures familiales de fortune qui se forment dans des environnements extrêmes.
Pour concrétiser cette vision, Ortega a réuni une équipe qui allie continuité et nouvelles perspectives. La liste des réalisateurs en est un indicateur clair :
- Alejandro Ciancio est un architecte clé de l’esthétique d’El Marginal, ayant réalisé de nombreux épisodes au fil de ses cinq saisons, ainsi que la série policière connexe El secreto de la familia Greco. Sa participation assure une grammaire visuelle et tonale cohérente, ancrant la nouvelle série dans le réalisme sans concession de l’univers établi.
- Mariano Ardanaz est un autre vétéran d’El Marginal et d’autres productions d’Ortega, ce qui renforce encore la lignée stylistique de la série. Son travail sur des drames comme Journal d’un gigolo témoigne également d’une maîtrise des récits soignés et centrés sur les personnages, ce qui pourrait enrichir les dynamiques interpersonnelles plus intimes de Dans la boue.
- Estela Cristiani, connue pour avoir réalisé la série La viuda de Rafael et le drame musical pour jeunes Go! Vive a tu manera, représente une rupture avec le genre policier pur et dur. Son inclusion suggère une intention délibérée de se concentrer plus profondément sur les arcs émotionnels et les relations complexes entre les personnages féminins, en particulier les plus jeunes détenues.
Ce mélange de réalisateurs se retrouve dans la salle des scénaristes, un effort de collaboration entre Ortega, Silvina Frejdkes, Alejandro Quesada et Omar Quiroga. Cette approche d’équipe est une marque de fabrique d’Underground Producciones, la société d’Ortega, favorisant un environnement de type atelier pour le développement narratif.
Le choix de créer un spin-off centré sur les femmes avec cette équipe créative spécifique est plus qu’une simple décision commerciale de franchiser une œuvre populaire. Il témoigne d’un effort artistique conscient de réfracter les thèmes établis d’El Marginal à travers un nouveau prisme. Le monde de San Onofre était fondamentalement masculin, ses conflits et ses structures de pouvoir étant définis par des hiérarchies patriarcales, du leadership familial du gang des frères Borges à l’autorité corrompue du directeur de la prison. En déplaçant le récit dans une prison pour femmes, Ortega et son équipe sont contraints d’explorer comment ces dynamiques de pouvoir, de corruption et de survie se manifestent différemment. Les conflits sont moins susceptibles d’être résolus par la force brute et impliquent plus probablement une guerre psychologique complexe, des alliances sociales changeantes et des formes alternatives de résilience.
L’évolution est inscrite dans le titre même de la série. Le passage d’El Marginal (Le Marginal) à Dans la boue (En el barro) est une déclaration thématique profonde. « Marginal » définit une personne par sa position par rapport à un centre sociétal ; c’est un terme d’exclusion. « Dans la boue », cependant, suggère une condition plus élémentaire et primale. C’est un état d’avilissement et d’enlisement, mais aussi un lieu de création et d’informe, évoquant l’argile primordiale d’où émerge la vie. Cela annonce un récit qui ne se préoccupe pas seulement de la survie en marge, mais de la construction même de l’identité à partir de la base. La série entre ainsi en dialogue direct avec sa prédécesseure, posant des questions cruciales : à quoi ressemble la survie lorsque le patriarcat de San Onofre est supplanté par un système de pouvoir différent, peut-être matriarcal, ou simplement plus anarchique? Comment la communauté se forge-t-elle parmi les femmes dans une institution conçue pour les atomiser et les briser?
Les habitantes de La Quebrada : casting et caractérisation
La population de La Quebrada est un ensemble méticuleusement constitué qui mêle visages familiers et sang neuf, reflétant une stratégie sophistiquée visant à ancrer la série dans ses racines argentines tout en concevant son attrait pour un marché mondial.
La naissance des « Embouées » : une nouvelle sororité
Le moteur narratif de la série est la formation d’une nouvelle « tribu » forgée dans le traumatisme. Les cinq femmes qui survivent à l’accident du fourgon de transport dans une rivière deviennent une unité, leur lien scellé par une expérience de mort imminente partagée. Leur identité collective, « Las embarradas » (Les Embouées), naît directement de ce baptême violent, un nom qui signifie à la fois leur statut dégradé et leurs origines élémentaires.
Le groupe est un échantillon de l’expérience carcérale :
- Gladys « La Borges » Guerra (Ana Garibaldi) : Personnage ayant un passé dans l’univers d’El Marginal, Gladys constitue le pont narratif crucial avec la série originale. Auparavant personnage secondaire, elle est désormais élevée au rang de protagoniste. En tant que femme expérimentée dans le monde « tumbero » (carcéral), elle est propulsée dans le rôle de chef réticente pour les survivantes non initiées.
- Les néophytes : Le reste du groupe principal est composé de détenues sans antécédents carcéraux, un dispositif narratif classique qui permet au public d’apprendre les règles brutales de La Quebrada en même temps que les personnages. Cet ensemble comprend des figures interprétées par la star internationale Valentina Zenere (Élite), l’actrice colombienne Carolina Ramírez et la vétéran de la scène et de l’écran argentin Lorena Vega.
- Les antagonistes : La principale source de conflit provient des « tribus » établies qui contrôlent déjà l’écosystème de la prison. « Les Embouées » doivent résister à l’absorption ou à la destruction par ces structures de pouvoir préexistantes. Parmi les figures clés de cet environnement hostile figurent Cecilia Moranzón, jouée par la vénérable actrice argentine Rita Cortese, qui semble être une redoutable matriarche de la prison, et Amparo Vilches, un personnage interprété par l’actrice espagnole Ana Rujas, qui a décrit son rôle comme celui d’une « véritable méchante ».
Échos de San Onofre et sang neuf stratégique
Pour renforcer le lien avec la série mère, Dans la boue met en scène le retour de personnages clés d’El Marginal. Le fonctionnaire de prison cynique et profondément corrompu Sergio Antín (Gerardo Romano) est une figure de premier plan, confirmant que la pourriture systémique dépeinte dans la prison pour hommes est endémique à l’ensemble du système carcéral. De plus, des informations indiquent le retour du protagoniste original Juan Minujín (Pastor) et de Maite Lanata (Luna), suggérant la possibilité de lignes narratives croisées importantes qui lieront plus étroitement les deux séries.
Parallèlement à ces vétérans, la production a fait plusieurs choix de casting très médiatisés, conçus pour créer le buzz et élargir l’audience de la série. Le plus notable est le premier rôle de María Becerra, l’une des plus grandes stars de la pop argentine contemporaine. Son rôle, qui comprendrait une « scène torride » très discutée avec le personnage de Valentina Zenere et une contribution à la bande originale, est une manœuvre marketing calculée, destinée à capter l’attention de son immense public de jeunes et à générer une couverture médiatique au-delà de la sphère télévisuelle habituelle. Le choix de Zenere, un visage mondialement connu grâce au succès de Netflix Élite, et de l’actrice espagnole Ana Rujas, est une stratégie claire et délibérée pour renforcer l’attrait de la série sur les marchés internationaux clés, en particulier en Espagne et dans toute l’Europe.
Distribution principale et équipe créative
La série est une coproduction internationale majeure entre Netflix, Underground Producciones (une division de Telemundo Studios) et Telemundo même. L’équipe créative est dirigée par le créateur Sebastián Ortega, une figure de proue du drame policier argentin connu pour El Marginal, Tumberos et Historia de un clan. Les scénarios ont été développés par une équipe collaborative comprenant Ortega, Silvina Frejdkes, Alejandro Quesada et Omar Quiroga. L’équipe de réalisation comprend les vétérans d’El Marginal Alejandro Ciancio et Mariano Ardanaz, rejoints par Estela Cristiani. L’identité visuelle de la série est façonnée par les directeurs de la photographie Miguel Abal, un directeur de la photo de cinéma primé, et Sergio Dotta, qui a également travaillé sur El Marginal. La musique est composée par Juan Ignacio Bouscayrol. La distribution est menée par Ana Garibaldi (Gladys Guerra), Valentina Zenere (Marina), Rita Cortese (Cecilia Moranzón), Lorena Vega, Marcelo Subiotto, Carolina Ramírez et Ana Rujas (Amparo Vilches). Ils sont rejoints par les acteurs d’El Marginal Gerardo Romano (Sergio Antín) et Juan Minujín (Pastor), avec des apparitions spéciales de la pop star María Becerra et de l’acteur Martín Rodríguez (Griselda).
Le casting de Dans la boue fonctionne comme un microcosme de la stratégie de contenu mondiale contemporaine de Netflix. Il ne s’agit pas d’un rassemblement fortuit d’acteurs, mais d’un ensemble méticuleusement conçu pour équilibrer l’authenticité locale et l’attrait commercial international. Le fondement de cette stratégie repose sur la crédibilité de sa distribution argentine. La présence d’acteurs vénérés comme Rita Cortese, Marcelo Subiotto et Ana Garibaldi, aux côtés des acteurs de retour d’El Marginal, ancre la série dans son milieu culturel spécifique et garantit la fidélité du public national et des fans de la première heure. C’est le socle d’authenticité sur lequel la structure mondiale est construite. La couche suivante est un pont vers un public plus jeune et international. Le casting de Valentina Zenere, une star du phénomène mondial de Netflix Élite, constitue un repère familier pour un vaste public d’adolescents et de jeunes adultes qui n’ont peut-être aucune connaissance préalable d’El Marginal. Sa participation est un canal direct vers ce public. La troisième couche est le crochet de l’« événement » : le casting de María Becerra. Ses débuts d’actrice sont une nouvelle en soi, conçue pour générer une vélocité sur les réseaux sociaux et une couverture médiatique bien au-delà des confins de la critique télévisuelle, attirant ainsi un vaste public du monde de la musique populaire. Enfin, l’inclusion de l’actrice espagnole Ana Rujas dans un rôle de méchante essentiel est une démarche ciblée pour renforcer la résonance de la série en Espagne, un marché européen crucial pour la plateforme de streaming. Cette approche à plusieurs niveaux révèle une compréhension sophistiquée de la segmentation moderne du public, créant un produit « glocal » conçu pour satisfaire simultanément des groupes distincts : les fidèles locaux, la jeunesse mondiale, les fans de musique et des territoires internationaux spécifiques.
Un baptême de boue : déconstruction du langage cinématographique du premier épisode
Le premier épisode de Dans la boue fonctionne comme une puissante déclaration d’intention, établissant son ton brutal et sa grammaire visuelle à travers une séquence d’ouverture magistralement exécutée et une construction délibérée de son monde.
L’incident déclencheur : une étude du chaos contrôlé
La série s’ouvre sur l’événement déclencheur : le transport de Gladys Guerra et d’autres détenues vers la prison de La Quebrada est violemment pris en embuscade, et leur véhicule est projeté dans une rivière. Cette séquence est un tour de force technique de chaos contrôlé. La réalisation emploie une caméra à l’épaule immersive depuis l’intérieur du véhicule pour transmettre la panique croissante et la désorientation des détenues alors que l’eau inonde le compartiment. Cette perspective claustrophobe est probablement mise en contraste avec des plans larges, objectifs et saisissants du fourgon englouti par l’eau boueuse, soulignant le caractère définitif de leur descente.
La conception sonore est essentielle à l’efficacité de la scène. La cacophonie diégétique de l’attaque — coups de feu, bris de verre, cris — cède la place à une horreur subaquatique et étouffée. Le paysage sonore devient une expression terrifiante et intime de l’expérience de mort imminente des personnages, où le monde est réduit au son des corps qui luttent et à la pression des profondeurs. Cette approche, qui utilise des sons d’ambiance exacerbés et souvent désagréables pour induire l’anxiété et dé-familiariser l’environnement, rappelle la philosophie sonore de la célèbre cinéaste argentine Lucrecia Martel dans des œuvres comme La Ciénaga. L’émergence finale des survivantes sur la rive, leurs halètements brisant le silence aquatique, offre une puissante libération auditive et émotionnelle, marquant leur renaissance.
Mise en scène et construction d’univers : la texture de La Quebrada
La prison de La Quebrada s’impose comme un personnage à part entière, son identité étant façonnée par son passé d’usine reconvertie. Cette genèse industrielle imprègne la mise en scène. Le monde visuel de la prison est fait d’espaces caverneux et délabrés, avec un langage de rouille, de peinture écaillée et de béton froid. Ce purgatoire créé par l’homme contraste vivement avec la boue organique et primordiale de la séquence d’ouverture, créant un monde à la fois impitoyablement artificiel et en décomposition active.
La cinématographie, dirigée par Miguel Abal et Sergio Dotta, est essentielle à la réalisation de cette vision. Le travail de Dotta sur El Marginal suggère la poursuite de son esthétique caractéristique : une palette désaturée à fort contraste qui met l’accent sur le grain et la texture. Abal, un directeur de la photographie de cinéma chevronné, pourrait introduire une qualité plus composée, presque picturale, dans certains plans, créant une tension visuelle entre une immédiateté brute de style documentaire et un expressionnisme cinématographique plus délibéré. La palette de couleurs est dominée par les ocres, les gris et les bruns, renforçant visuellement le motif central du « barro » (boue).
Suivant la tradition du cinéma argentin de référence, le regard de la caméra est intensément corporel. Le premier épisode est rempli d’images haptiques : des très gros plans sur une peau couverte de boue, la texture rugueuse des uniformes de prison contre le corps, la physicalité pure de la survie. Ce n’est pas gratuit, mais cela vise à favoriser une forme de visionnage incarné, obligeant le public à ressentir la saleté, le froid et la texture de ce monde. Cette focalisation sur le corps comme paysage d’expérience — un lieu de douleur, de saleté et d’abjection — est une technique clé pour déplacer le lieu de la connaissance de l’intellect vers une compréhension plus viscérale et corporelle.
Rythme, montage et musique
Le rythme du premier épisode est construit sur des contrastes marqués. L’énergie cinétique et frénétique de l’accident initial cède la place à un rythme plus lent et plus observateur, alors que les survivantes, hébétées, doivent déchiffrer les codes sociaux complexes et menaçants de la prison. Ce changement de tempo reflète le propre parcours psychologique des personnages, de l’instinct de survie pur à l’horreur naissante de leur nouvelle réalité. La musique de Juan Ignacio Bouscayrol, connu pour son travail sur des films indépendants argentins, est cruciale pour moduler ce ton. C’est une partition minimaliste, atmosphérique et souvent percussive qui accentue la tension et le malaise plutôt que de télégraphier l’émotion, une caractéristique des thrillers de prestige contemporains.
Résonance thématique : la société en microcosme
Au-delà de ses sensations fortes et de sa finition technique, Dans la boue est une série riche en ambition thématique. Elle utilise le microcosme de la prison pour explorer des questions sociales et philosophiques complexes, recadrant les préoccupations fondamentales de sa prédécesseure à travers une nouvelle perspective, distinctement féminine.
Le regard féminin dans un univers masculin
La série réoriente fondamentalement les thèmes d’El Marginal en centrant l’expérience féminine. Elle explore la manière dont les femmes naviguent dans un système de violence et de contrôle souvent conçu par et pour les hommes. Le récit s’investit profondément dans l’exploration de la formation des alliances féminines, des manifestations uniques du pouvoir et de la hiérarchie chez les femmes, et du tribut psychologique spécifique que l’incarcération leur impose. Cet axe thématique s’inscrit dans un courant puissant des arts latino-américains contemporains, qui s’attaque de plus en plus aux questions de discrimination de genre et met en avant des récits de résistance féministe. Dans son propre contexte brutal et confiné, la série examine les « nouveaux rôles… que la femme assume dans sa décision de s’intégrer à l’histoire », même si cette histoire s’écrit dans la cour d’une prison.
Le corps politique et le corps souffrant
Le motif central et récurrent de la « boue » opère à plusieurs niveaux symboliques. Il représente un effacement forcé des identités passées, un dépouillement violent de soi qui réduit les personnages à un état primal et indifférencié à partir duquel un nouveau collectif doit naître. L’acte physique d’être « embarradas » (embouées) est un baptême traumatique qui lie irrévocablement les protagonistes. La série utilise le corps physique comme toile principale pour ses thèmes. Le traumatisme de l’accident, la menace quotidienne de la violence et la lutte pour la survie font du corps un lieu de douleur et de vulnérabilité profondes. Pourtant, il est aussi le lieu de la résilience, de l’adaptation et, finalement, de la résistance. Cela s’inscrit dans des traditions artistiques qui utilisent le corps pour explorer des luttes sociales et politiques plus larges, où la douleur individuelle reflète une condition collective.
La série représente une évolution thématique significative par rapport à sa prédécesseure, déplaçant sa métaphore centrale de la marginalisation sociale à la résistance fondatrice. Ce changement subtil mais crucial suggère une vision plus profonde et peut-être plus pleine d’espoir, bien que brutale, du changement social. Le titre même d’El Marginal définissait ses personnages par leur relation à l’ordre social ; ils existaient à la périphérie, et leur lutte consistait à se tailler un pouvoir et un sens dans cet espace liminal. Ils étaient définis par leur exclusion. Dans la boue, en revanche, commence par un effondrement littéral et figuré. Le convoi coule, l’ancien monde est balayé, et les personnages sont ramenés à un état primal, couverts de terre. Ils ne sont pas en marge ; ils sont à un nouveau point zéro. Le nom qu’elles ont choisi, « Las embarradas », ne signifie pas qu’elles sont des étrangères ; il parle de leur substance même. Elles sont « Les Embouées ». Cela invoque un mythe de la création, un nouveau départ à partir des éléments les plus fondamentaux. Cela résonne profondément avec les traditions littéraires et culturelles latino-américaines où le « barro » (la boue ou l’argile) est une substance de création, mais aussi de pauvreté, de lutte et de la réalité terre-à-terre des opprimés. Cela recadre tout le concept de résistance. Dans El Marginal, la résistance était souvent un jeu de pouvoir cynique et transactionnel. Dans Dans la boue, la formation du groupe est un acte de pure survie qui évolue organiquement en une identité collective. C’est une résistance qui ne naît pas de l’ambition, mais d’une humanité partagée découverte dans les circonstances les plus inhumaines. Cela fait écho aux récits historiques de résistance populaire, où de nouvelles formes de solidarité émergent du creuset de l’oppression partagée. La série semble donc avancer un argument plus fondamental : les liens sociaux véritablement transformateurs ne se forgent pas en défiant un centre depuis les marges, mais naissent de la dissolution complète de l’ordre ancien — de la boue de la crise.
Une fondation brutale et prometteuse
Dans la boue se présente comme une série assurée, cinématographiquement sophistiquée et d’une brutalité sans faille. Elle hérite avec succès de l’esthétique crue et de l’ADN thématique d’El Marginal tout en établissant de manière décisive son propre territoire narratif, distinct et centré sur les femmes. Le premier épisode fonctionne comme une puissante déclaration d’intention, utilisant son incident déclencheur viscéral pour jeter les bases d’une exploration complexe du traumatisme, de la survie et de la création d’une nouvelle identité collective face à l’hostilité systémique. La réalisation est assurée, les moyens de production sont exceptionnellement élevés pour le genre, et la distribution d’ensemble fait preuve d’une alchimie immédiate et convaincante.
Tout en rendant hommage à sa célèbre lignée, Dans la boue ne se contente manifestement pas d’être une simple redite. En plongeant ses personnages, et par extension son public, dans le « barro » élémentaire, elle pose une question plus profonde et plus urgente. Elle ne se contente plus de demander comment survivre en marge d’un système brisé, mais interroge la manière dont un nouveau monde — avec de nouveaux codes, de nouvelles loyautés et de nouvelles formes de solidarité — peut être construit sur les décombres de l’ancien. La série a posé une base formidable et sanglante pour ce qui promet d’être l’un des drames les plus captivants et les plus riches sur le plan thématique de l’année.
La série de huit épisodes est sortie mondialement sur Netflix le 14 août 2025.
