Un nouveau drame musical biographique, Homem com H, est désormais disponible en streaming sur Netflix, portant à l’écran l’histoire de l’un des artistes les plus influents et provocateurs du Brésil, Ney Matogrosso, pour un public mondial. Le film, réalisé et écrit par Esmir Filho, retrace la vie du chanteur emblématique, dont la carrière a défié la répression politique et redéfini les notions de genre et de performance en Amérique latine. Le film arrive sur la plateforme après une sortie en salles couronnée de succès au Brésil, où il a attiré plus de 620 000 spectateurs, rapporté plus de 13 millions de réaux et est devenu l’un des films les mieux notés de l’année sur le site de critiques Letterboxd. Bien que le titre officiel du film, Homem com H, soit une référence directe à l’une des chansons les plus célèbres de Matogrosso, il est distribué en France sous le titre La Ballade électrique de Ney Matogrosso. Le titre original, Homem com H, reste cependant au cœur du message du film, se réappropriant une expression familière synonyme de virilité pour célébrer un artiste qui l’a déconstruite.
Le film présente un récit de libération forgé dans la défiance. Il suit Ney de Souza Pereira, qui adoptera plus tard le nom de scène Ney Matogrosso, à travers les étapes cruciales de sa vie. D’une enfance au cœur du Brésil, marquée par une passion pour la nature et l’autorité oppressive d’un père militaire émotionnellement distant, l’histoire retrace son parcours de l’adolescence à l’âge adulte, où il brisera les préjugés pour devenir une force culturelle. Le scénario, basé sur la biographie Ney Matogrosso: A biografia de Julio Maria, présente la personnalité publique de Matogrosso comme le résultat direct de ses luttes personnelles. Son identité artistique, caractérisée par une liberté radicale, est montrée non pas comme un simple choix esthétique, mais comme une réponse nécessaire à une vie passée à affronter l’autorité, un thème que le réalisateur Esmir Filho a identifié comme le cœur de l’histoire. Ce thème central est exploré à travers les relations clés qui ont défini sa vie : le conflit fondamental avec son père, Antônio ; le creuset créatif de son premier groupe, Secos & Molhados ; et l’amour et la perte profonds vécus dans ses relations avec d’autres musiciens, dont l’emblématique rockeur brésilien Cazuza et son partenaire Marco de Maria. Le film aborde la crise du sida des années 1980, qui a profondément touché l’entourage de Matogrosso, en se concentrant avec respect sur l’élément humain de la peur, des préjugés et de l’insécurité ressentis par les gens, plutôt que de faire de la maladie le seul sujet du récit.
Le véritable Ney Matogrosso était un phénomène culturel dont l’impact s’est étendu bien au-delà de la musique. Classé par Rolling Stone comme le troisième plus grand chanteur latino-américain de tous les temps, il a émergé sur la scène brésilienne en 1971 en tant que leader du groupe de glam-folk Secos & Molhados, aux côtés de João Ricardo et Gerson Conrad. Avec sa voix de contre-ténor unique et aiguë et sa présence scénique androgyne, il est devenu une sensation instantanée. Le groupe a vendu un million de disques en moins de deux ans, un exploit stupéfiant. Après la séparation du groupe, Matogrosso a lancé une carrière solo encore plus provocatrice et réussie, définie par des costumes extravagants, un maquillage élaboré et des mouvements audacieux et fluides. Sa combinaison d’art d’avant-garde et de succès commercial massif était remarquable ; il n’était pas un artiste de niche, mais une star grand public qui a introduit une performance transgressive aux codes queer dans les foyers de millions de personnes avec des succès comme « América do Sul » et « Bandolero ». Cela l’a rendu impossible à ignorer, forçant un débat national sur l’identité et la liberté.
Son ascension vers la gloire a coïncidé avec la période la plus répressive de la dictature militaire brésilienne. Secos & Molhados est apparu sur la scène au moment où le régime, qui a débuté en 1964, entrait dans sa phase la plus sévère, les anos de chumbo (années de plomb), suite au décret de l’Acte Institutionnel V en 1968. Tandis que certains groupes de gauche s’engageaient dans la lutte armée contre l’État, Matogrosso menait une guerre d’un autre genre. Sa rébellion était esthétique. Son corps, sa voix et ses performances sont devenus des lieux de résistance politique. Ouvertement fluide dans sa sexualité à une époque de conservatisme rigide, il a défié le statu quo avec un style qui transcendait les genres, n’étant ni traditionnellement masculin ni féminin. Son travail allait au-delà d’une simple opposition au gouvernement ; c’était un mouvement contre-culturel qui se rebellait contre les normes sociales plus larges concernant la musique, le nationalisme et le corps lui-même. En atteignant un niveau de popularité qui rivalisait avec n’importe quel artiste grand public, il a démontré que la subversion culturelle pouvait être un outil puissant contre l’autoritarisme, défiant le pouvoir en reconfigurant la compréhension culturelle de l’identité.
La vision du réalisateur Esmir Filho pour La Ballade électrique de Ney Matogrosso était de traduire cette force vitale en langage cinématographique. Le film évite consciemment la structure stéréotypée des « plus grands succès » de nombreux biopics. Il vise plutôt à être une expérience vibrante, sensorielle et émotionnelle qui permet au public de ressentir l’essence de l’énergie de Matogrosso. Le réalisateur a déclaré que ses choix esthétiques étaient basés sur la « pulsion érotique » et le « désir » qui émanent de l’artiste, créant un film sur l’élan de liberté. En collaboration avec le directeur de la photographie Azul Serra, Filho crée un univers visuel intime et hautement symbolique, caractérisé par des couleurs chaudes et saturées, un usage fréquent de gros plans qui reflètent le conflit intérieur du protagoniste, et un concept poétique récurrent d’« animalité ». La conception sonore du film est tout aussi immersive, tissant une bande originale de 17 chansons qui ne sont pas simplement illustratives mais servent de marqueurs des transformations internes du personnage. Des classiques comme « Sangue Latino », « Rosa de Hiroshima » et « Homem com H » portent un poids émotionnel et narratif important, renforçant le parcours de construction de soi de l’artiste. L’objectif déclaré du réalisateur était de créer une expérience qui s’apprécie le mieux au cinéma, où sa richesse visuelle et auditive peut être pleinement absorbée.
Au cœur du film se trouve une performance largement saluée de l’acteur Jesuíta Barbosa. Les critiques ont loué Barbosa pour sa « caractérisation parfaite et son travail corporel impressionnant », capturant les manières et la présence de Matogrosso avec une précision étonnante. Son interprétation est décrite non pas comme une interprétation, mais comme une forme de canalisation, une « possession » ou une « transe » où il incorpore pleinement l’esprit de l’artiste. Cette performance est remarquée pour son rare équilibre entre l’exubérance de la scène et une vulnérabilité brute en coulisses. Un choix artistique crucial a été fait concernant les numéros musicaux : Barbosa incarne la physicalité des performances, mais la voix chantée que l’on entend est celle de Ney Matogrosso lui-même, utilisant des enregistrements originaux. Cette décision crée une dualité puissante, évitant l’écueil courant d’un acteur tentant d’imiter une voix légendaire. Le public voit la lutte émotionnelle et physique du personnage à travers la performance de Barbosa tout en entendant la puissance authentique et transcendante de l’art de Matogrosso. Cela sépare l’homme mortel de sa voix immortelle, créant une expérience à plusieurs niveaux qui est à la fois un drame humain captivant et une célébration musicale authentique.
Le titre original du film est en soi un acte d’une profonde ironie et une clé de son thème central. Au Brésil, « homem com H » (homme avec un grand H) est une expression familière pour un homme qui fait preuve d’une virilité et d’un courage traditionnels et sans compromis. La chanson du même nom utilise des images du folklore brésilien, comme des serpents et des loups-garous, pour évoquer des épreuves de machisme. En donnant ce titre à un film sur un artiste qui a consacré sa vie à démanteler ce concept même, les cinéastes lancent un défi. Le titre oblige le public à réconcilier le terme avec la réalité fluide, androgyne et queer de son sujet. C’est une réappropriation du langage des normes patriarcales pour célébrer une figure de libération. Comme l’a noté le réalisateur Esmir Filho, Matogrosso a « subverti la chorégraphie du masculin », prouvant qu’il était possible d’être un homme avec n’importe quelle lettre, pas seulement celle prescrite par la société. Le film soutient que Matogrosso est l’ultime « Homme avec un H » précisément parce qu’il a eu le courage de rejeter toutes les définitions prescrites, démontrant que la véritable force réside dans l’authenticité, et non dans la conformité. La Ballade électrique de Ney Matogrosso est plus qu’une biographie ; c’est une déclaration esthétique et politique, un film qui comprend que l’art est un acte de désobéissance et qu’aucune étiquette ne peut contenir un artiste aussi singulier que Ney Matogrosso.
Le film est sorti dans les cinémas brésiliens le 1er mai 2025. Sa première mondiale a eu lieu lors de la clôture du 27e Festival du Cinéma Brésilien de Paris le 6 mai 2025. Le film a été mis en ligne en streaming mondial sur Netflix le 17 juin 2025.
