Les Academy Awards, communément appelés les Oscars, sont largement considérés comme le « summum de la carrière d’un acteur » et les « récompenses les plus prestigieuses de l’industrie cinématographique mondiale ». Recevoir cette statuette dorée tant convoitée est souvent perçu comme le « sceau d’approbation ultime de l’industrie du cinéma », une reconnaissance profonde des pairs signifiant que le dévouement et l’art d’un acteur ont abouti à une performance « si marquante qu’ils se sont sentis motivés à vous couronner meilleur de votre catégorie ». Cet honneur singulier témoigne d’un niveau de performance que peu atteignent.
Malgré cet immense prestige, un nombre surprenant de talents parmi les plus vénérés d’Hollywood, des acteurs ayant constamment livré un « travail exemplaire année après année », se sont retrouvés maintes fois « laissés pour compte » pour un Oscar d’interprétation en compétition. Ce phénomène récurrent est souvent perçu par les cinéphiles et les critiques comme un « crime contre l’art et le bon goût ».
Cette exploration célèbre les carrières de dix de ces sommités, reconnaissant leurs immenses contributions à l’art cinématographique. Il est crucial de reconnaître, comme l’a si bien observé Entertainment Weekly, que « l’absence de victoire ne rend en aucun cas le talent d’un acteur médiocre. En fait, nous parierions que certaines stars sans Oscar résisteront bien mieux à l’épreuve du temps que certaines qui ont effectivement remporté l’or ». Leurs histoires éclairent non seulement leur éclat individuel, mais jettent aussi une lumière sur la danse complexe, parfois déroutante, du vote de l’Académie et la nature multiforme de l’accomplissement cinématographique.
La reconnaissance constante que ces acteurs ont reçue de l’Académie, souvent à travers de multiples nominations sur des décennies, souligne leur talent extraordinaire. Cette reconnaissance répétée, juxtaposée à l’absence de victoire, rend leurs parcours aux Oscars particulièrement fascinants et dignes d’examen.
Les Talents Non Couronnés
1. Glenn Close : La Reine Incontestée des Presque-Victoires aux Oscars
Glenn Close s’impose comme une véritable titan de la scène et de l’écran. Sa carrière illustre, s’étalant sur plus de cinq décennies, est ornée d’une pléthore de récompenses, dont trois Primetime Emmy Awards, trois Tony Awards et trois Golden Globe Awards. En 2019, le magazine Time l’a justement nommée l’une des 100 personnes les plus influentes au monde, un témoignage de son impact considérable. Close est célébrée pour sa polyvalence extraordinaire et sa capacité profonde à incarner des « personnages complexes et fascinants avec profondeur, intensité et vulnérabilité ». C’est une actrice qui constamment « insuffle vie à chaque personnage », transmettant avec maestria aussi bien « la vulnérabilité que la force, en égale mesure ». Au-delà de ses contributions monumentales aux arts du spectacle, Close est également une ardente défenseure de la sensibilisation à la santé mentale et des droits des femmes.
Son parcours aux Oscars est légendaire : Close détient le record peu enviable de l’actrice vivante la plus nommée sans victoire compétitive aux Oscars, partageant cette distinction avec le regretté Peter O’Toole, tous deux ayant accumulé huit nominations d’interprétation sans remporter de victoire. Cette série remarquable de nominations en dit long sur la reconnaissance constante par l’Académie de son talent exceptionnel à travers une gamme diversifiée de rôles et d’époques cinématographiques. Ses nominations incluent : Meilleure Actrice dans un Second Rôle pour Le Monde selon Garp (1982), où elle incarnait de manière mémorable une mère féministe ; Les Copains d’abord (1983), incarnant un archétype du baby-boomer ; Le Meilleur (1984), en tant qu’émouvante amoureuse ; et bien plus tard, pour Une ode américaine (2020). Ses nominations pour la Meilleure Actrice sont venues pour certains de ses rôles les plus emblématiques : l’obsessionnelle dangereuse Alex Forrest dans Liaison fatale (1987) ; la rusée et manipulatrice Marquise de Merteuil dans Les Liaisons dangereuses (1988) ; sa transformation en femme vivant comme un majordome anglais dans Albert Nobbs (2011) ; et sa performance acclamée par la critique dans The Wife (2018).
Parmi celles-ci, plusieurs performances se distinguent comme des moments où l’or des Oscars semblait à portée de main. Son interprétation d’Alex Forrest dans Liaison fatale fut un jalon culturel, la propulsant vers une célébrité internationale et gravant l’expression « bunny boiler » (faisant référence à une scène du film où elle fait bouillir un lapin) dans le lexique. Roger Ebert a loué sa performance comme « terrifiante et pourtant toujours plausible », notant que le scénario de James Dearden lui permettait « d’appâter son hameçon avec des avances mielleuses puis de le ferrer avec la jalousie, la possessivité et finalement la culpabilité ». Juste un an plus tard, sa machiavélique Marquise de Merteuil dans Les Liaisons dangereuses lui valut une autre nomination pour la Meilleure Actrice et un fervent succès critique. De nombreux critiques et cinéphiles soutiennent encore que c’est pour cette performance qu’elle méritait sans équivoque l’Oscar. Ebert célébrait la « perfection » de son duel à l’écran avec John Malkovich, leurs « dialogues archaïques se transformant ensemble en jeux conversationnels épuisants, des matchs de tennis de l’âme ». Des décennies plus tard, son rôle de Joan Castleman dans The Wife (2018) – une femme confrontée à une vie de compromis faits pour son mari célèbre – lui apporta une septième nomination pour la Meilleure Actrice et une multitude d’autres récompenses majeures, dont un Golden Globe, un SAG Award et un Critics’ Choice Award. Sa performance fut saluée comme « stupéfiante », « discrète et complexe, magnifiquement nuancée et pleine d’émotion », le réalisateur Björn Runge focalisant fréquemment sa caméra sur ses réactions puissantes et muettes. Pour beaucoup, ce semblait être le moment où sa disette d’Oscars prendrait enfin fin, avant qu’Olivia Colman ne crée une surprise célébrée pour La Favorite.
Les raisons des multiples échecs de Close aux Oscars sont multifactorielles. Elle a constamment fait face à une concurrence incroyablement forte, perdant face à des actrices ayant livré des performances emblématiques ou déterminantes pour leur carrière au cours de leurs années respectives, telles que Jessica Lange pour Tootsie, Cher pour Éclair de lune, Jodie Foster pour Les Accusés, et Meryl Streep pour La Dame de fer. Il y a aussi un débat continu sur ses choix de carrière ultérieurs, certains commentateurs suggérant que des films comme The Wife et Une ode américaine, bien que lui valant des nominations, étaient peut-être des « véhicules conservateurs » ou des « appâts à Oscars sans risque » qui n’avaient pas l’impact cinématographique plus large de certains de ses rôles antérieurs, plus audacieux. Cependant, sa performance dans The Wife a été indéniablement acclamée par la critique. Une autre perspective avance que si ses films sont très appréciés, elle n’a peut-être pas joué dans ce « grand film indéniable de tous les temps » où sa défaite aurait semblé un choc absolu et défiant tout consensus.
Malgré l’absence d’un Oscar compétitif, l’héritage de Glenn Close en tant que « l’une des grandes actrices de notre temps » est incontesté. Son influence profonde repose sur sa remarquable polyvalence, son « style de jeu immersif » et sa capacité unique à déceler « un nombre exceptionnel de couches dans un rôle ou un simple moment ». L’historienne du cinéma Cari Beauchamp la classe parmi les meilleures actrices des 80 dernières années, aux côtés de légendes de l’écran telles que Bette Davis et Meryl Streep, citant son « cran… dans les rôles qu’elle choisit, et sa persévérance ». Ses huit nominations pour des personnages divers — des méchantes aux figures maternelles, des aristocrates d’époque aux femmes contemporaines — soulignent une constance et une étendue extraordinaires que l’Académie reconnaît à plusieurs reprises. Cette constance même, paradoxalement, peut contribuer au récit ; l’Académie reconnaît son brio maintes et maintes fois, et pourtant l’alchimie spécifique de l’impact du rôle, du prestige du film, de la force des concurrents et du « récit Oscar » dominant requis pour une victoire lui a échappé. Chaque défaite était souvent face à une actrice vivant un moment déterminant de sa carrière ou dans un film avec un élan écrasant, soulignant qu’une victoire aux Oscars est fréquemment plus qu’une simple question de qualité singulière d’une performance ; il s’agit de cette performance résonnant d’une manière très spécifique dans le contexte compétitif et culturel de cette année particulière.
2. Amy Adams : La Nominée Six Fois au Charme Polyvalent
Amy Adams a forgé une carrière remarquable et polyvalente, acquérant initialement une large reconnaissance pour ses « interprétations acclamées par la critique de personnages naïfs et charmants » dans des films tels que le succès indépendant Junebug (2005) et la comédie musicale Disney Il était une fois (2007). Cependant, son impressionnante étendue de jeu est rapidement devenue évidente, alors qu’elle s’aventurait dans un territoire dramatique complexe avec des performances puissantes dans Doute (2008), The Master (2012), American Bluff (2013), et Vice (2018). Sa filmographie met en valeur une capacité à incarner divers archétypes, d’une princesse Disney aux yeux écarquillés à une « arnaqueuse séduisante ».
Cette polyvalence et cette excellence constante lui ont valu six nominations aux Oscars sans victoire, une statistique qui a incité Entertainment Weekly à la décrire comme « une sorte d’égérie de cette cause ». Ses nominations couvrent à la fois les catégories de second rôle et de premier rôle : cinq pour la Meilleure Actrice dans un Second Rôle pour Junebug (2005), Doute (2008), Fighter (2010), The Master (2012), et Vice (2018), et une pour la Meilleure Actrice pour American Bluff (2013). Ce record la place en compagnie estimée, l’égalant avec les légendes de l’écran Deborah Kerr et Thelma Ritter pour le deuxième plus grand nombre de nominations pour une actrice sans victoire, une distinction surpassée uniquement par Glenn Close.
Le rôle révélateur d’Adams en tant qu’Ashley Johnsten, effervescente et bavarde dans Junebug (2005), a immédiatement signalé son arrivée en tant que talent majeur, lui valant sa première nomination aux Oscars et une attention critique considérable. Les critiques ont célébré sa performance « révélatrice et réconfortante », notant qu’elle « rayonne d’une telle joie, même face à la tragédie », et a habilement évité de réduire Ashley à une simple caricature. Le film lui-même a été loué comme une « tranche de vie finement observée ». Son interprétation de la Sœur James, innocente et impressionnable, dans Doute (2008) lui a valu sa deuxième nomination, les critiques louant son attitude « douce et innocente » et la façon dont ses yeux transmettaient la naïveté et le conflit intérieur de son personnage.
Démontrant son étendue, Adams a joué à contre-emploi en incarnant Charlene Fleming, dure et débrouillarde, dans Fighter (2010), obtenant sa troisième nomination aux Oscars. Les critiques ont observé qu’elle apportait du « magnétisme » au rôle, « mordant à pleines dents dans le matériau » pour livrer une performance qui équilibrait habilement « vulnérabilité et dureté ». Roger Ebert a salué son interprétation « lucide » d’une femme possédant une « forte volonté ». Sa première nomination pour la Meilleure Actrice est venue pour son rôle de l’arnaqueuse Sydney Prosser dans American Bluff de David O. Russell (2013), un film d’ensemble qui a recueilli un large succès critique. Adams a été louée pour avoir transmis une « vulnérabilité profondément ancrée cachée au sein d’une femme d’affaires à l’esprit vif » à travers une « interprétation sensuelle et cérébralement émotionnelle ». Une performance qui, bien que ne lui ayant pas valu de nomination aux Oscars, est fréquemment citée comme l’une de ses meilleures et un oubli important de l’Académie, fut son rôle de la linguiste Dr. Louise Banks dans Premier Contact (2016). Sight and Sound l’a louée pour avoir transmis une « intelligence native sans tomber dans la caricature de la surdouée », et elle était largement considérée comme le « centre émotionnel d’un film qui s’annonçait comme un poids lourd pour le Meilleur Film ». Plus récemment, sa transformation en Lynne Cheney dans Vice (2018) lui a valu une autre nomination pour la Meilleure Actrice dans un Second Rôle, les critiques notant la forte alchimie entre elle et Christian Bale.
Le parcours d’Adams aux Oscars l’a vue perdre constamment face à des concurrentes redoutables, notamment Rachel Weisz (The Constant Gardener), Penélope Cruz (Vicky Cristina Barcelona), sa co-star de Fighter Melissa Leo, Anne Hathaway (Les Misérables), Regina King (Si Beale Street pouvait parler), et Cate Blanchett (Blue Jasmine). L’omission pour Premier Contact reste un point de discussion particulièrement déroutant, surtout compte tenu des huit autres nominations du film, y compris Meilleur Film et Meilleur Réalisateur. Ce cas souligne que même une performance principale, acclamée par la critique dans un film très célébré, n’est pas garantie d’une nomination d’interprétation, pointant vers la nature parfois imprévisible des choix de l’Académie.
Malgré l’absence de victoire aux Oscars, Amy Adams est largement considérée comme « l’une de nos meilleures actrices en activité ». Sa filmographie témoigne de son impressionnante étendue et de sa capacité constante à livrer des performances mémorables et acclamées par la critique à travers un large éventail de genres. Le schéma de ses nominations, principalement dans la catégorie de second rôle, l’a souvent placée dans des ensembles solides où son travail remarquable faisait partie d’un succès collectif plus large. Cela a pu contribuer à ce qu’elle soit reconnue mais pas finalement récompensée face à des interprètes dans des rôles peut-être plus centraux ou « flamboyants » ces années-là. Sa seule nomination pour la Meilleure Actrice a fait face à une performance gagnante dominante de Cate Blanchett. L’oubli pour Premier Contact complique davantage ce récit, suggérant que des facteurs au-delà du simple mérite ou de la centralité du rôle peuvent influencer le processus de nomination. La présence constante d’Adams dans les conversations sur les Oscars, cependant, solidifie son statut d’actrice dont le talent est maintes et maintes fois et à juste titre reconnu par ses pairs.
3. Edward Norton : Le Caméléon Intense
Edward Norton a fait irruption sur la scène cinématographique avec une intensité brûlante et une approche intransigeante de son art qui l’ont immédiatement distingué. Dès ses premiers rôles, il a démontré une préférence pour les projets artistiquement stimulants plutôt que pour les entreprises purement commerciales, une caractéristique qui a défini une grande partie de sa carrière. Au-delà de l’interprétation, Norton s’est également aventuré dans la réalisation et la production, créant Class 5 Films. Ses performances sont souvent marquées par une « fascination pour la dualité », et il est réputé pour une capacité impressionnante à se transformer, jouant rarement deux fois le même type de personnage.
L’impact de Norton fut si immédiat qu’il obtint des nominations aux Oscars pour ses premiers rôles majeurs. Son historique aux Oscars comprend quatre nominations : Meilleur Acteur dans un Second Rôle pour ses débuts explosifs dans Peur primale (1996), pour son rôle complexe dans Birdman ou (la surprenante vertu de l’ignorance) (2014), et une nomination projetée pour A Complete Unknown (pour la cérémonie de 2025, basée sur des informations de début 2025). Sa seule nomination pour le Meilleur Acteur est venue pour son interprétation inoubliable dans American History X (1998).
Les débuts cinématographiques de Norton dans Peur primale en tant qu’Aaron Stampler, un enfant de chœur apparemment innocent accusé d’un meurtre brutal, furent tout simplement électrisants. Le rôle, qui présentait de manière célèbre un changement de personnalité stupéfiant, lui valut un succès critique immédiat, un Golden Globe Award et sa première nomination aux Oscars. Roger Ebert a loué l’interprétation « complètement convaincante » de Norton, qui jouait magistralement avec les profondeurs cachées du personnage. Ces débuts furent si puissants qu’ils « jetèrent les bases de toute sa carrière ». Il enchaîna avec un autre tour de force dans American History X, recevant une nomination pour le Meilleur Acteur pour son interprétation dérangeante et puissante de Derek Vinyard, un leader néo-nazi charismatique qui subit une douloureuse réformation. Le magazine Empire l’a salué comme une « performance imposante qui établit Edward Norton comme l’acteur de caractère le plus prometteur de sa génération », louant sa capacité à conserver une « once d’humanité » même au sein d’un personnage aussi monstrueux. Norton aurait été profondément impliqué dans le montage final du film, un point de controverse mais aussi révélateur de son engagement. Des années plus tard, il obtint sa troisième nomination aux Oscars pour Birdman, jouant Mike Shiner, un acteur de méthode de Broadway talentueux mais instable dont l’arrogance se heurte au personnage de Michael Keaton, symbolisant la tension entre la célébrité hollywoodienne et l’intégrité artistique théâtrale.
Malgré ces performances hautement acclamées et nominées, Norton n’a pas encore remporté d’Oscar. Il a constamment perdu face à des acteurs livrant des performances exceptionnellement fortes et mémorables au cours de leurs années respectives : Cuba Gooding Jr. pour Jerry Maguire, Roberto Benigni pour son rôle bien-aimé dans La vie est belle, et J.K. Simmons pour son interprétation terrifiante dans Whiplash. Au-delà de la rude concurrence, des rumeurs et des rapports persistants de l’industrie ont circulé selon lesquels Norton serait « difficile à travailler » ou chercherait un degré élevé de contrôle créatif sur les projets, illustré par les débats entourant son influence sur les montages finaux d’American History X et les différends signalés lors de la production de L’Incroyable Hulk. Bien que sa contribution artistique ait pu, dans certains cas, améliorer le produit final (comme certains le soutiennent pour American History X), une telle réputation, qu’elle soit entièrement juste ou non, peut subtilement influencer les relations au sein de l’industrie et, par extension, les perspectives de récompenses dans une communauté qui valorise la collaboration.
L’héritage d’Edward Norton, cependant, est solidement établi. Salué dès ses débuts comme un « jeune acteur énormément doué », il est respecté pour ses capacités de transformation, sa qualité unique d’« homme ordinaire » qui peut se métamorphoser sans heurt en intensité menaçante, et son approche intelligente, souvent méticuleuse, du développement des personnages. Son travail de scénariste non crédité sur des films comme Frida souligne davantage ses contributions artistiques plus larges. La carrière de Norton a commencé avec des rôles si explosifs et acclamés par la critique qu’il a été immédiatement identifié comme un talent majeur. Bien que sa carrière ultérieure soit restée forte et variée, la confluence particulière d’un rôle transformateur, d’un film largement acclamé et d’un champ concurrentiel favorable nécessaires pour une victoire aux Oscars lui a, jusqu’à présent, échappé. Son intensité artistique est sa marque de fabrique, mais dans une industrie où la collaboration et le récit jouent souvent des rôles cruciaux dans le succès des récompenses, cette intensité même pourrait être un facteur complexe dans son parcours aux Oscars.
4. Ralph Fiennes : Le Maître de la Nuance et de la Menace
Ralph Fiennes est largement célébré comme « l’un des acteurs les plus populaires et acclamés originaires de Grande-Bretagne », un interprète distingué par sa « présence imposante et ses performances intenses ». Sa carrière témoigne de sa « pure polyvalence », naviguant avec aisance entre l’interprétation de méchants terrifiants comme le commandant nazi Amon Göth dans La Liste de Schindler et le néfaste Lord Voldemort dans la série Harry Potter, l’incarnation de personnages charmants et excentriques tels que M. Gustave dans The Grand Budapest Hotel, et même le prêt de sa voix à des figures animées comme Alfred Pennyworth dans Lego Batman, le film.
Fiennes a obtenu trois nominations aux Oscars au cours de sa carrière (la troisième étant une projection pour 2025 basée sur des informations de début 2025 dans les documents fournis). Sa première est venue pour le Meilleur Acteur dans un Second Rôle pour La Liste de Schindler (1993). Il a reçu sa première nomination pour le Meilleur Acteur pour Le Patient anglais (1996), et une autre nomination pour le Meilleur Acteur est anticipée pour son rôle dans Conclave (un film de 2024, avec la nomination projetée pour les Oscars 2025).
Son rôle révélateur international en tant qu’Amon Göth dans La Liste de Schindler de Steven Spielberg fut une interprétation glaçante et inoubliable qui lui valut un BAFTA Award et sa première nomination aux Oscars. Spielberg lui-même fut profondément impressionné par l’audition de Fiennes, se souvenant avoir vu un « mal sexuel » et une capacité terrifiante à passer instantanément de « moments de gentillesse » qui « vous glaçaient le sang ». Fiennes a parlé du poids psychologique d’incarner un personnage aussi sombre, admettant s’être senti « légèrement souillé par cela » après avoir « enquêté si intensément sur un comportement aussi négatif ». Son Göth est largement considéré comme l’un des antagonistes les plus dérangeants du cinéma moderne, un « symbole conscient d’une mentalité et d’une idéologie » dont le mal est d’autant plus terrifiant qu’il est ancré dans la réalité historique.
Suite à cela, Fiennes reçut sa deuxième nomination aux Oscars, cette fois pour le Meilleur Acteur, pour son interprétation du ténébreux Comte László Almásy dans l’épopée romantique Le Patient anglais. Le film fut un succès majeur aux Oscars, et Fiennes fut loué comme étant « parfaitement choisi » pour le rôle principal. Bien que sa performance en tant que concierge fantasque M. Gustave H. dans The Grand Budapest Hotel de Wes Anderson (2014) ne lui ait pas valu de nomination aux Oscars, elle est fréquemment citée par les critiques et le public comme un sommet de sa carrière, une démonstration magistrale d’esprit, de charme et de timing comique impeccable que beaucoup estimaient mériter la reconnaissance de l’Académie. Plus récemment, son rôle du Cardinal Thomas Lawrence dans Conclave (2024), un personnage défini par la retenue et l’autorité tranquille naviguant dans une élection papale, lui a valu les éloges de la critique et une troisième nomination aux Oscars projetée. Sa performance est louée pour sa subtilité profonde, où il « laisse parler son silence » et transmet une immense profondeur émotionnelle à travers « chaque regard, chaque souffle hésitant, chaque lueur de doute ».
Malgré ces performances puissantes et acclamées, Fiennes n’a pas encore remporté d’Oscar. Pour La Liste de Schindler, il a perdu l’Oscar du Meilleur Acteur dans un Second Rôle face à Tommy Lee Jones pour Le Fugitif. Divers facteurs ont été cités pour ce résultat, y compris la possibilité que Jones reçoive un « Oscar de rattrapage » pour un précédent oubli perçu pour JFK, l’appréciation de l’industrie pour les contributions significatives de Jones à la formation du scénario du Fugitif et son leadership sur le plateau, Fiennes étant un relatif nouveau venu à l’époque interprétant un personnage absolument monstrueux, et l’aveu de Fiennes lui-même qu’il n’a « jamais fait campagne pour aucune récompense ». Pour Le Patient anglais, il a perdu l’Oscar du Meilleur Acteur face à Geoffrey Rush pour Shine. La subtilité même qui définit sa performance acclamée dans Conclave est maintenant considérée par certains analystes comme un désavantage potentiel dans la course au Meilleur Acteur, car l’Académie favorise souvent des « performances beaucoup plus grandes et flamboyantes ».
L’héritage durable de Ralph Fiennes repose sur sa remarquable capacité à « se glisser dans n’importe quel rôle, que ce soit drame, comédie, action ou animation », solidifiant sa réputation comme « l’un des meilleurs acteurs de notre temps ». Ses rôles précoces les plus emblématiques, en particulier Amon Göth, étaient complexes et souvent malveillants. Bien que ces performances soient vénérées par la critique, l’Académie montre parfois une hésitation à récompenser des acteurs pour l’interprétation de figures profondément maléfiques, surtout au début de leur carrière, à moins que la performance et le film n’atteignent une domination culturelle écrasante (comme ce fut le cas avec Anthony Hopkins dans Le Silence des agneaux). Son travail ultérieur, illustré par Conclave, met en valeur une maîtrise extraordinaire de la nuance et de l’émotion intériorisée. Cette subtilité profonde, bien qu’étant la marque d’un grand jeu d’acteur à l’écran, peut parfois être éclipsée dans la course aux Oscars par des performances plus ouvertement transformatrices ou émotionnellement démonstratives. Cela suggère un schéma récurrent où le type spécifique de brio de Fiennes dans ses rôles nominés ne s’est pas parfaitement aligné avec les préférences dominantes de l’Académie au cours de ces années ou catégories particulières.
5. Samuel L. Jackson : Le Roi du Cool, Toujours en Attente d’une Couronne Compétitive
Samuel L. Jackson est une icône cinématographique, un « acteur très prolifique, ayant joué dans plus de 100 films ». Sa présence imposante, sa « voix profonde et autoritaire », et son penchant pour l’interprétation de « personnages rebelles », de « personnages durs qui jurent beaucoup », et de « personnages très sages et intelligents » ont fait de lui l’un des acteurs les plus reconnaissables et aimés de sa génération. Il s’est fait connaître au début des années 1990, en grande partie grâce à ses collaborations marquantes avec les réalisateurs Spike Lee et Quentin Tarantino.
Malgré sa filmographie étendue et acclamée, Jackson n’a reçu qu’une seule nomination compétitive aux Oscars : Meilleur Acteur dans un Second Rôle pour son rôle inoubliable dans Pulp Fiction (1994). En 2022, l’Académie a reconnu ses contributions monumentales au cinéma avec un Oscar d’honneur pour l’ensemble de sa carrière.
Le rôle qui lui a valu sa seule nomination compétitive, Jules Winnfield dans Pulp Fiction de Quentin Tarantino, fut un phénomène culturel qui propulsa Jackson vers une célébrité mondiale. Son interprétation du tueur à gages philosophe citant la Bible est considérée comme l’un des « antihéros les plus fascinants » du cinéma. Le monologue électrisant de Jules, en particulier sa récitation d’un passage stylisé comme Ézéchiel 25:17, devint instantanément emblématique, mêlant intimidation, spiritualité et un voyage de découverte de soi. Cette performance fut une « percée » pour Jackson, le transformant en un « nom familier » et un talent très recherché pour des rôles dynamiques et intenses.
Sa défaite pour Pulp Fiction dans la catégorie Meilleur Acteur dans un Second Rôle fut face à Martin Landau, qui gagna pour son interprétation transformatrice de Bela Lugosi dans Ed Wood de Tim Burton. La déception de Jackson était palpable ; on l’a visiblement vu murmurer « merde » lorsque le nom de Landau fut annoncé. Jackson a été franc sur sa perspective concernant les récompenses, déclarant sans équivoque que « c’est un honneur de gagner », pas simplement d’être nominé, et il estime que les nominations sont souvent oubliées par le public. Il a également songé qu’une scène coupée du Droit de tuer ? (1996), si elle avait été incluse dans le montage final, aurait pu lui valoir un Oscar.
L’héritage durable de Samuel L. Jackson est indéniable. Il est une figure emblématique du cinéma moderne, célébré pour une multitude de personnages mémorables dans de nombreux succès au box-office et films acclamés par la critique, y compris son rôle de longue date en tant que Nick Fury dans l’Univers cinématographique Marvel (UCM) et Mace Windu dans la prélogie Star Wars. Ses films ont collectivement rapporté des milliards de dollars au box-office mondial. Le fait qu’un acteur aussi prolifique et culturellement significatif n’ait qu’une seule nomination compétitive aux Oscars est, en soi, assez surprenant. Sa défaite pour Pulp Fiction face à Martin Landau, un acteur vétéran respecté livrant une transformation biographique remarquable, peut refléter la préférence occasionnelle de l’Académie pour de tels rôles, surtout lorsqu’ils sont opposés à un personnage d’un film plus non conventionnel et transgressant les genres. L’attribution éventuelle d’un Oscar d’honneur à Jackson peut être interprétée comme la reconnaissance par l’Académie de ses contributions immenses et durables à l’art du cinéma, servant peut-être de forme de reconnaissance pour une victoire compétitive que beaucoup estiment qu’elle aurait dû être la sienne.
6. Sigourney Weaver : La Reine de la Science-Fiction et Puissance Dramatique
Sigourney Weaver a tracé un chemin unique et influent à Hollywood, renommée pour ses « interprétations pionnières d’héroïnes d’action dans des blockbusters » aux côtés d’un corpus d’œuvres convaincantes dans des films indépendants. Son interprétation d’Ellen Ripley dans la franchise Alien n’est pas seulement emblématique ; elle est largement « considérée comme une protagoniste féminine significative dans l’histoire du cinéma », modifiant fondamentalement le paysage pour les femmes dans les genres d’action et de science-fiction.
Le talent de Weaver a été reconnu par trois nominations aux Oscars. Elle a reçu une nomination pour la Meilleure Actrice pour son rôle révolutionnaire dans Aliens, le retour (1986). Fait remarquable, elle a reçu deux nominations d’interprétation la même année, en 1988 : Meilleure Actrice pour Gorilles dans la brume et Meilleure Actrice dans un Second Rôle pour Working Girl.
Sa performance en tant qu’Ellen Ripley dans Aliens, le retour de James Cameron (1986) fut un moment décisif, lui valant sa première nomination aux Oscars et marquant une « nomination historique pour une actrice à être considérée pour un film de science-fiction/horreur », un genre historiquement négligé par l’Académie dans les principales catégories d’interprétation. Les critiques ont constamment loué sa performance. Sheila Benson du Los Angeles Times a décrit Weaver comme le « noyau incandescent » du film, autour de l’« intelligence provocante » et de l’« athlétisme sensuel » duquel Aliens, le retour était construit. Roger Ebert a crédité son interprétation forte et sympathique pour avoir maintenu la cohésion du film, tandis que Jay Scott proclamait que Weaver faisait paraître les stars d’action masculines contemporaines comme Sylvester Stallone et Arnold Schwarzenegger comme des « mannequins masculins ». L’« oubli » de l’Oscar pour Aliens, le retour est encore vivement ressenti par beaucoup, certains affirmant que cela « fait encore plus mal 37 ans plus tard ». Dans Gorilles dans la brume (1988), Weaver a livré une interprétation convaincante de la primatologue passionnée et controversée Dian Fossey, lui valant une nomination pour la Meilleure Actrice et un Golden Globe Award. Les critiques ont loué son travail, Hal Hinson du The Washington Post déclarant : « Enfin, [Weaver] a peut-être trouvé un rôle à sa mesure », bien que certains aient estimé que la caractérisation à l’écran manquait de toute la profondeur de la vraie Fossey. Ebert a trouvé qu’il était « impossible d’imaginer un choix plus approprié pour le rôle ».
Malgré ces nominations puissantes, Weaver n’a pas encore remporté d’Oscar. Pour Aliens, le retour, elle a perdu face à Marlee Matlin pour Les Enfants du silence. Ce résultat reflète probablement le biais historique de l’Académie contre les films de science-fiction et d’horreur dans les catégories d’interprétation principales. En 1988, une année de doubles nominations, elle a perdu la Meilleure Actrice (pour Gorilles dans la brume) face à Jodie Foster pour Les Accusés, et la Meilleure Actrice dans un Second Rôle (pour Working Girl) face à Geena Davis pour Voyageur malgré lui. Obtenir deux nominations d’interprétation en une seule année est une reconnaissance extraordinaire de la polyvalence et de l’impact d’un acteur au cours de cette période cinématographique particulière. Cependant, gagner dans deux catégories simultanément est exceptionnellement rare, et elle a fait face à une concurrence redoutable dans les deux cas.
L’héritage de Sigourney Weaver en tant que véritable pionnière des héroïnes d’action féminines est indélébile. Sa carrière met en valeur une polyvalence remarquable, allant de rôles déterminants dans des blockbusters de science-fiction comme Alien et Avatar à des performances mémorables dans des comédies comme S.O.S. Fantômes et des drames acclamés tels que Ice Storm. La nature révolutionnaire de sa nomination pour Aliens, le retour ne peut être surestimée ; elle a défié les préférences de genre traditionnelles de l’Académie. Son absence de victoire pour ce rôle emblématique témoigne probablement de ces biais dominants. Bien que ses doubles nominations en 1988 aient été un honneur significatif, la forte concurrence dans les deux catégories cette année-là s’est avérée insurmontable. Néanmoins, l’impact de Weaver sur le cinéma, en particulier dans la redéfinition des possibilités pour les protagonistes féminines, reste profond et durable.
7. Willem Dafoe : L’Icône Intrépide du Cinéma d’Auteur et Méchant Grand Public
Willem Dafoe est un acteur d’une étendue et d’une intensité extraordinaires, célébré pour sa « carrière prolifique interprétant des rôles divers dans des films grand public et d’auteur ». Membre fondateur de la compagnie de théâtre expérimental The Wooster Group, Dafoe apporte une sensibilité unique, souvent audacieuse, à ses performances. Sa filmographie témoigne de ses choix artistiques intrépides et de sa capacité à incarner des personnages à chaque extrémité du spectre moral.
Dafoe a été nominé quatre fois aux Oscars, constamment reconnu pour son travail transformateur et convaincant. Ses nominations sont : Meilleur Acteur dans un Second Rôle pour Platoon (1986), L’Ombre du vampire (2000), et The Florida Project (2017) ; et Meilleur Acteur pour At Eternity’s Gate (2018).
Son rôle révélateur en tant que Sergent Elias Grodin, compatissant et moralement intègre, dans l’épopée de la guerre du Vietnam d’Oliver Stone, Platoon (1986), lui valut sa première nomination aux Oscars et un large succès critique. Le personnage d’Elias, en particulier sa scène de mort emblématique, reste gravé dans la mémoire cinématographique. Elias est souvent analysé comme une figure d’« intégrité morale » et, dans certaines interprétations, comme incarnant des traits « féminins » de sensualité, d’émotion et de soin dans le contexte hyper-masculin du film de guerre. Dans L’Ombre du vampire (2000), Dafoe livra une performance fascinante et acclamée par la critique en tant que Max Schreck, un acteur interprétant le Comte Orlok qui pourrait ou non être un vrai vampire, lui valant sa deuxième nomination aux Oscars. Roger Ebert remarqua que Dafoe « incarne le Schreck de Nosferatu si étrangement que lorsque de vraies scènes du classique muet sont glissées dans le cadre, nous ne remarquons aucune différence ».
Son rôle secondaire en tant que Bobby Hicks, le directeur de motel au grand cœur mais las dans The Florida Project de Sean Baker (2017), fut universellement loué et lui apporta sa troisième nomination aux Oscars, beaucoup considérant que c’était sa « plus proche chance de gagner ». Le Bobby de Dafoe sert de « seule influence stabilisatrice et saine » dans un monde de désespoir, imprégné d’une « bonté ardente ». Par la suite, il reçut une nomination pour le Meilleur Acteur pour son interprétation profonde de Vincent van Gogh dans At Eternity’s Gate de Julian Schnabel (2018). Kenneth Turan du Los Angeles Times écrivit que le travail de Dafoe « semble au-delà de l’interprétation conventionnelle, utilisant l’intuition ainsi que la technique pour aller profondément dans le personnage ». Yahoo Entertainment le décrivit comme un « Van Gogh inspiré dans le chef-d’œuvre impressionniste de Julian Schnabel », une performance qui rend la filmographie déjà estimable de Dafoe « plus complète et essentielle ».
Malgré ces performances puissantes et variées nominées, Dafoe n’a pas encore remporté d’Oscar. Il a perdu face à Michael Caine (Hannah et ses sœurs), Benicio Del Toro (Traffic), Sam Rockwell (Trois Billboards : Les Panneaux de la vengeance), et Rami Malek (Bohemian Rhapsody). Dafoe choisit fréquemment des rôles audacieux et non conventionnels dans des films indépendants et d’auteur. Bien que ces choix mènent souvent à des éloges critiques et mettent en valeur son incroyable étendue, ils ne correspondent pas toujours aux goûts grand public de l’Académie ou peuvent faire face à une concurrence féroce de la part de performances plus traditionnelles « calibrées pour les Oscars » au cours d’une année donnée. Un commentateur de Reddit a même suggéré que Dafoe ne « joue pas le jeu » de la politique des Oscars, ce qui peut parfois être un facteur dans les résultats des récompenses.
L’héritage de Willem Dafoe est celui d’un nom familier dont la carrière regorge de « performances dignes de récompenses qui n’ont jamais reçu la reconnaissance appropriée » de l’Académie sous la forme d’une victoire. Sa remarquable étendue est évidente dans sa capacité à interpréter des figures aussi disparates que Jésus dans La Dernière Tentation du Christ de Martin Scorsese et le maniaque Bouffon Vert dans le Spider-Man de Sam Raimi. En 2020, The New York Times l’a classé parmi les 25 Plus Grands Acteurs du 21e Siècle, un témoignage de son impact durable. La carrière de Dafoe est un mélange fascinant d’explorations intenses du cinéma d’auteur et de caractérisations grand public mémorables. Ses nominations aux Oscars reflètent cette approche éclectique. Ses défaites se sont souvent produites lorsqu’il était opposé à des acteurs dans des rôles dramatiques plus traditionnels ou des biopics que l’Académie favorise fréquemment, ou contre des acteurs vivant un « moment Oscar » significatif. Son engagement indéfectible envers des rôles stimulants, parfois dérangeants, est sans aucun doute sa force artistique, mais cet engagement même pourrait aussi faire de lui un candidat plus complexe pour une victoire aux Oscars, qui nécessite souvent un attrait consensuel plus large ou un « récit » particulièrement fort au sein de la saison des récompenses.
8. Annette Bening : La Tête d’Affiche Constamment Brillante
La carrière d’Annette Bening, s’étalant sur plus de quatre décennies, se distingue par son « travail polyvalent à l’écran et sur scène ». Son héritage cinématographique repose sur des « prouesses d’actrice exceptionnelles et un engagement indéfectible envers son art », livrant constamment des performances nuancées qui résonnent profondément auprès du public. Ayant perfectionné ses compétences au théâtre, une base évidente dans la crédibilité de ses interprétations, Bening a réussi une transition remarquable vers le cinéma.
Bening a été nominée cinq fois aux Oscars sans remporter de victoire, un témoignage de son excellence soutenue et de la reconnaissance constante de son talent par l’Académie. Ses nominations comprennent une pour la Meilleure Actrice dans un Second Rôle pour Les Arnaqueurs (1990), et quatre pour la Meilleure Actrice : American Beauty (1999), Adorable Julia (2004), Tout va bien ! The Kids Are All Right (2010), et plus récemment, Nyad (2023).
Son rôle révélateur au cinéma en tant que séduisante arnaqueuse Myra Langtry dans le néo-noir de Stephen Frears, Les Arnaqueurs (1990), valut à Bening sa première nomination aux Oscars et une large attention critique. Roger Ebert nota sa « combinaison captivante de sensualité, de danger et de vulnérabilité », rappelant les actrices classiques du film noir comme Gloria Grahame. Bien que peut-être pas aussi chevronnée que ses co-stars Anjelica Huston et John Cusack à l’époque, elle affichait un « talent naissant » et imprégnait un personnage potentiellement superficiel d’une profondeur considérable. Sa performance dans le premier film réalisé par Sam Mendes, American Beauty (1999), en tant que Carolyn Burnham, matérialiste et en pleine décomposition, lui valut un BAFTA Award, un SAG Award, et sa première nomination à l’Oscar de la Meilleure Actrice. Les critiques louèrent sa capacité à fusionner comédie et drame, créant un personnage qui, malgré ses défauts, suscitait la sympathie ; elle était l’« opposée parfaite au personnage de Kevin Spacey ».
Bening remporta un Golden Globe pour son interprétation de la diva de théâtre pleine de vivacité Julia Lambert dans Adorable Julia (2004). A.O. Scott du New York Times loua son « charme vif et enjoué » et son « effervescence étourdissante et téméraire », tandis que Roger Ebert reconnaissait qu’elle jouait Julia avec « beaucoup de verve et d’énergie » même si le film lui-même était un « mélodrame poussif ». Un autre Golden Globe vint pour son rôle de Nic, une mère lesbienne naviguant dans des dynamiques familiales complexes, dans Tout va bien ! The Kids Are All Right (2010). Le film reçut un large succès, la performance de Bening, en particulier, étant largement saluée. Sa nomination la plus récente pour Nyad (2023), où elle incarnait la nageuse de longue distance déterminée Diana Nyad, fut décrite par certains comme « impressionnante, bien que stoïque », bien que d’autres aient trouvé le film lui-même décevant et la performance de Bening « moyenne » lorsqu’elle ne dépeignait pas les exigences physiques de la natation.
Le parcours de Bening aux Oscars l’a vue perdre face à Whoopi Goldberg (Ghost), Hilary Swank (deux fois, pour Boys Don’t Cry et Million Dollar Baby), Natalie Portman (Black Swan), et Emma Stone (Pauvres Créatures). Le récit selon lequel elle était « attendue » pour un Oscar a pris de l’ampleur particulièrement après ses deux défaites face à Hilary Swank. Cependant, certaines analyses suggèrent que sa performance dans Adorable Julia, par exemple, était « à peine adéquate » et chanceuse d’être nominée, surtout en comparaison avec la puissante prestation de Swank dans Million Dollar Baby. On soutient que si les performances de Bening sont constamment fortes, elles manquaient parfois du « facteur X » définitif des rôles oscarisables ou faisaient face à des interprétations emblématiques et transformatrices de ses concurrentes (comme Goldberg dans Ghost ou la première victoire de Swank dans Boys Don’t Cry).
L’héritage durable d’Annette Bening est celui d’une actrice très respectée, connue pour sa capacité constante à toucher le public sur le plan émotionnel, sa subtilité et son honnêteté intellectuelle. Elle a maintenu une vie relativement privée, privilégiant son art aux artifices de la célébrité. Sa carrière est marquée par des éloges critiques constants et des nominations pour l’interprétation de personnages féminins complexes. Ses défaites, en particulier les deux face à Hilary Swank, ont alimenté un récit d’« attente ». Cependant, un examen plus attentif suggère que, ces années spécifiques, les rôles hautement transformateurs et physiquement exigeants de Swank ont eu un impact « moment Oscar » plus significatif. La force de Bening réside dans des interprétations nuancées, souvent intérieurement complexes, qui, bien que profondément appréciées par les critiques et ses pairs (comme en témoignent ses nombreuses nominations), peuvent parfois être éclipsées par des performances plus ouvertement dramatiques ou physiquement transformatrices que l’Académie récompense fréquemment dans la catégorie Meilleure Actrice.
9. Michelle Williams : La Maîtresse de l’Intensité Discrète
Michelle Williams s’est distinguée comme une actrice d’une profondeur et d’une polyvalence profondes, renommée pour ses rôles captivants au cinéma et à la télévision et pour choisir souvent des « projets qui défient les normes sociétales ». Son parcours, de la populaire série dramatique pour adolescents Dawson à son statut d’actrice de cinéma constamment acclamée par la critique, témoigne de son dévouement et de son talent en constante évolution.
Williams a obtenu cinq nominations aux Oscars, mettant en valeur sa remarquable étendue : Meilleure Actrice dans un Second Rôle pour Le Secret de Brokeback Mountain (2005) et Manchester by the Sea (2016) ; et Meilleure Actrice pour Blue Valentine (2010), My Week with Marilyn (2011), et The Fabelmans (2022).
Son rôle d’Alma Beers Del Mar, l’épouse souffrant en silence dans le film révolutionnaire d’Ang Lee, Le Secret de Brokeback Mountain (2005), valut à Williams sa première nomination aux Oscars et une large reconnaissance critique. Sa performance fut notée comme « significativement plus forte » que celle d’Anne Hathaway (qui jouait l’épouse de l’autre personnage principal), alors qu’Alma se débat avec la vérité dévastatrice de l’amour caché de son mari. Williams elle-même reste perplexe face à la défaite controversée de Le Secret de Brokeback Mountain pour le Meilleur Film face à Collision, un sentiment partagé par beaucoup qui considèrent cela comme une injustice majeure des Oscars. Pour Blue Valentine (2010), Williams reçut une nomination pour la Meilleure Actrice pour son interprétation brute et émotionnellement résonnante de Cindy dans un mariage en décomposition. Décrite comme une « actrice brute, transparente », ses émotions dans le film semblaient « sismiques même lorsque son visage est immobile ». Elle et sa co-star Ryan Gosling furent loués pour avoir affiché une « émotion à nu à l’écran ».
Son interprétation transformatrice de Marilyn Monroe dans My Week with Marilyn (2011) lui valut un Golden Globe Award et une autre nomination à l’Oscar de la Meilleure Actrice. Les critiques trouvèrent sa performance « tout à fait remarquable », un critique déclarant que Williams était « si convaincante en apparence et en maniérismes en tant que Marilyn que je ne pensais pas regarder Michelle Williams ». Elle fut de nouveau nominée pour la Meilleure Actrice dans un Second Rôle pour son rôle bref mais puissant de Randi Chandler dans Manchester by the Sea (2016). Bien que son temps d’écran fût limité, sa performance fut décrite comme un « trésor à contempler », avec une scène de confrontation cruciale avec Casey Affleck jugée singulièrement « digne d’un Oscar ». Plus récemment, elle reçut une nomination pour la Meilleure Actrice pour avoir joué Mitzi Fabelman, un personnage basé sur la propre mère de Steven Spielberg, dans The Fabelmans (2022). Bien que certains critiques aient trouvé sa performance « excessive », il fut soutenu qu’elle capturait avec précision l’excentricité unique de la vraie Leah Adler, comme en témoignent les images d’archives d’Adler elle-même.
Le parcours de Williams aux Oscars l’a vue perdre face à Rachel Weisz (The Constant Gardener), Natalie Portman (Black Swan), Meryl Streep (La Dame de fer), Viola Davis (Fences), et Michelle Yeoh (Everything Everywhere All at Once). Celles-ci étaient toutes des performances hautement acclamées, souvent dominantes, au cours de leurs années respectives. Williams excelle fréquemment dans des rôles qui exigent une profondeur émotionnelle et une subtilité profondes, interprétant souvent des personnages aux prises avec le deuil, des relations complexes ou une agitation intérieure intense. Tout en obtenant constamment des nominations pour ces performances puissantes et nuancées, elle a souvent fait face à des gagnantes qui avaient des rôles très visibles et transformateurs ou faisaient partie de prétendants « majeurs » au Meilleur Film. Sa remarquable capacité à disparaître dans les personnages, comme elle l’a fait avec Marilyn Monroe, est une marque de son talent. Cependant, la subtilité et l’intensité discrète qui rendent ses performances si acclamées par la critique pourraient les rendre moins « bruyantes » ou ouvertement « théâtrales » dans un champ compétitif des Oscars qui favorise parfois des démonstrations d’interprétation plus manifestes.
L’héritage de Michelle Williams est celui de l’une des actrices les plus respectées de sa génération, admirée pour son talent, son dévouement et la profondeur profonde qu’elle apporte à chaque personnage. Son plaidoyer pour la justice sociale et l’égalité des sexes renforce davantage son impact au-delà de l’écran. Sa reconnaissance constante aux Oscars pour des rôles nécessitant un travail émotionnel aussi nuancé en dit long sur son habileté, même si le prix ultime lui a échappé face à une concurrence redoutable.
10. Sir Ian McKellen : Le Chevalier Théâtral de la Scène et de l’Écran
Sir Ian McKellen est « largement considéré comme l’un des plus grands acteurs de théâtre et de cinéma » de sa génération, un interprète polyvalent acclamé pour sa maîtrise de personnages allant du canon shakespearien aux figures contemporaines. Cofondateur de l’influente Actors’ Company et éminent militant des droits des homosexuels, McKellen fut anobli en 1991 pour services rendus aux arts du spectacle. Sa carrière est un témoignage imposant de dévouement tant au théâtre qu’au cinéma.
McKellen a reçu deux nominations aux Oscars : Meilleur Acteur pour son interprétation du réalisateur James Whale dans Ni dieux ni démons (1998), et Meilleur Acteur dans un Second Rôle pour son rôle emblématique de Gandalf le Gris dans Le Seigneur des anneaux : La Communauté de l’anneau (2001).
Sa performance en tant que réalisateur vieillissant et hanté James Whale dans Ni dieux ni démons (1998) lui valut sa première nomination aux Oscars et une nomination aux Golden Globes. Les critiques saluèrent son travail, James Berardinelli déclarant que McKellen « reconfirme pourquoi beaucoup le considèrent comme le meilleur acteur shakespearien de sa génération », donnant vie à Whale avec « une puissante combinaison d’énergie et d’incertitude ». Le film lui-même fut décrit comme un « film extraordinairement gracieux sur le désir, le vieillissement et la cré- », offrant un regard romancé et poignant sur les derniers jours de Whale, explorant une amitié improbable et les ombres persistantes du passé. La deuxième nomination de McKellen vint pour son interprétation mondialement reconnue du sage sorcier Gandalf dans l’épopée de Peter Jackson, Le Seigneur des anneaux : La Communauté de l’anneau (2001). Sa performance fut louée comme « positivement merlinesque », et il fut salué pour avoir incarné le sorcier avec une crédibilité immense, donnant à Gandalf un « air de cordialité grand-paternelle, qui pouvait se transformer sans heurt en une puissance impressionnante ».
Malgré ces performances hautement acclamées, Sir Ian n’a pas encore remporté d’Oscar. Il a perdu l’Oscar du Meilleur Acteur pour Ni dieux ni démons face à Roberto Benigni pour son rôle intensément émouvant et largement aimé dans La vie est belle. Pour Le Seigneur des anneaux, il a perdu l’Oscar du Meilleur Acteur dans un Second Rôle face à Jim Broadbent pour son interprétation poignante dans Iris. Dans les deux cas, la concurrence était exceptionnellement forte. La victoire de Benigni faisait partie d’un moment international significatif pour La vie est belle, un film qui a capturé le sentiment mondial. Jim Broadbent était un acteur vétéran très respecté livrant une performance touchante dans un drame traditionnel.
L’héritage de Sir Ian McKellen est monumental, cimenté par son statut légendaire au théâtre (où il a remporté plusieurs Olivier et Tony Awards) et ses rôles emblématiques dans de grandes franchises cinématographiques, notamment Gandalf dans Le Seigneur des anneaux et Magnéto dans la série X-Men. Sa contribution à la culture populaire à travers ces rôles est immense et indéniable. Les nominations aux Oscars de McKellen sont venues pour des rôles qui mettaient brillamment en valeur sa formation classique et sa profonde capacité à incarner des figures historiques et littéraires complexes. Ses défaites furent face à des acteurs qui livrèrent des performances hautement émotionnelles ou traditionnellement dramatiques qui résonnèrent fortement auprès des votants de l’Académie ces années spécifiques. Il existe également une tendance historique de l’Académie à parfois négliger les performances dans les films de fantasy pour les principales récompenses d’interprétation, malgré le succès critique et commercial global des films, à moins que la performance ne soit écrasante ou ne porte un récit particulièrement convaincant pour la saison des récompenses. L’impact durable de McKellen, cependant, transcende toute récompense unique.
Pourquoi l’Or Échappe à Certains Grands
Le chemin vers une victoire aux Oscars est souvent plus complexe que la simple livraison d’une performance brillante. Plusieurs courants sous-jacents et dynamiques de l’industrie peuvent influencer pourquoi certains des acteurs les plus doués se retrouvent nominés à plusieurs reprises mais finalement non couronnés.
Le Facteur « Récit » et la Campagne : Les Oscars ne sont pas décidés dans le vide ; ils sont influencés par des récits qui se construisent tout au long de la saison des récompenses. Des facteurs tels qu’un acteur étant « attendu » pour une victoire, une « histoire de retour », ou même un « Oscar de rattrapage » pour compenser des oublis passés perçus peuvent jouer un rôle significatif dans l’orientation des votants. La campagne active des studios et des individus est également un élément crucial. Certains acteurs, comme Ralph Fiennes, ont ouvertement admis ne pas s’engager dans une campagne vigoureuse. Inversement, Samuel L. Jackson a été franc sur sa conviction que l’honneur réside dans la victoire, pas seulement dans la nomination, reflétant une compréhension de la nature compétitive des récompenses. Les Oscars, par conséquent, ne sont pas seulement un jugement du mérite à l’écran mais aussi le reflet de l’efficacité avec laquelle une performance et un acteur sont « vendus » à l’Académie. Une « histoire Oscar » convaincante peut parfois donner un avantage à un nominé par rapport à un autre, indépendamment du talent brut affiché.
Forte Concurrence et « Mauvais Timing » : Peut-être la raison la plus directe de nombreux échecs est la simple force de la concurrence au cours d’une année donnée. Beaucoup d’acteurs sur cette liste se sont retrouvés face à des performances emblématiques, uniques en leur genre, ou lors d’années où les catégories d’interprétation étaient exceptionnellement chargées de travaux exceptionnels. Un exemple classique est la performance imposante de Peter O’Toole dans Lawrence d’Arabie perdant face à l’Atticus Finch bien-aimé de Gregory Peck dans Du silence et des ombres — la cinquième et dernière nomination de Peck, qui culmina par une victoire. Glenn Close et Amy Adams, par exemple, ont constamment fait face à des gagnantes qui ont livré des performances puissantes ou ont bénéficié de récits cinématographiques forts. Une victoire aux Oscars dépend donc fortement du paysage compétitif spécifique d’une année particulière ; une performance qui aurait pu triompher dans un champ moins encombré peut facilement être éclipsée lorsque plusieurs concurrents exceptionnels émergent.
Biais de Genre et Préférences de l’Académie : L’Académie a historiquement démontré certaines préférences en matière de récompenses d’interprétation. Les rôles dramatiques ont traditionnellement été favorisés par rapport aux performances dans la comédie, la science-fiction, l’horreur ou les films d’action. La nomination de Sigourney Weaver pour la Meilleure Actrice pour le film d’action de science-fiction Aliens, le retour fut un accomplissement marquant, défiant ces normes, mais elle n’a pas abouti à une victoire. La seule nomination de Bill Murray pour Lost in Translation, un film qui mêle comédie nuancée et drame, s’aligne sur ce schéma de reconnaissance du travail transgressant les genres mais ne le récompensant pas toujours du prix suprême. De même, les nominations de Johnny Depp sont souvent venues pour des rôles plus fantastiques ou stylisés. De plus, l’Académie montre souvent une prédilection pour les « performances plus grandes et flamboyantes », en particulier dans la catégorie Meilleur Acteur, ou les rôles impliquant des transformations physiques significatives. Par conséquent, les performances subtiles et intériorisées, telles que le travail loué de Ralph Fiennes dans Conclave, risquent d’être négligées au profit d’une interprétation plus ouvertement démonstrative. Cela suggère que le type de rôle et le genre du film peuvent influencer de manière significative les perspectives d’un acteur aux Oscars, l’acclamation critique au sein d’un genre « moins prestigieux » (pour les récompenses d’interprétation) ou pour une performance nuancée ne se traduisant pas toujours aussi facilement en une victoire aux Oscars qu’un rôle transformateur dans un drame traditionnel « calibré pour les Oscars ».
Ensemble de l’Œuvre contre Performance Unique : Le processus de vote de l’Académie peut parfois refléter un désir d’honorer l’ensemble de la carrière d’un vétéran estimé avec un « Oscar d’héritage » ou un « prix de carrière », plutôt que de se concentrer strictement sur la seule performance nominée de cette année-là. Cela peut signifier qu’un autre acteur avec une performance particulièrement méritante cette année spécifique pourrait perdre. Inversement, les acteurs avec un ensemble d’œuvres constamment solides et acclamées, comme beaucoup sur cette liste, pourraient se retrouver nominés à plusieurs reprises, les votants supposant peut-être « qu’ils finiront par gagner ». Cette diffusion de l’urgence peut rendre plus difficile pour une seule performance de percer à moins qu’elle ne soit écrasante ou ne s’aligne parfaitement avec un récit convaincant de « c’est enfin leur tour ». La décision de l’Oscar devient donc souvent une interaction complexe entre la récompense de la « meilleure » performance de l’année et la reconnaissance d’une contribution longue et distinguée au cinéma.
Le « Trop Difficile de Choisir » / Division des Votes : Bien que pas toujours explicitement prouvable pour des cas individuels, les mécanismes du vote des Oscars peuvent conduire à des résultats inattendus, en particulier lors d’années très compétitives. Dans les catégories remplies de multiples performances aimées, les votes peuvent se disperser. Dans un système de scrutin préférentiel (utilisé pour le Meilleur Film) ou un vote à la pluralité (utilisé pour les catégories d’interprétation), une performance qui recueille une base de soutien solide et consolidée pourrait sortir victorieuse face à plusieurs autres excellentes performances qui divisent les votes restants. C’est un facteur plus spéculatif mais reste une dynamique connue dans les courses aux Oscars, où un champ encombré de talents exceptionnels peut parfois conduire à des résultats surprenants.
Au-delà de la Statuette
L’attrait d’un Oscar reste puissant à Hollywood, symbole de reconnaissance par les pairs et d’excellence cinématographique. Pourtant, comme le démontrent les carrières de ces dix acteurs extraordinaires — et de nombreux autres comme eux — l’absence de cette statuette dorée particulière ne diminue en rien leur profond impact sur l’art du cinéma. Leurs filmographies sont riches en « travail exemplaire », rôles emblématiques et performances qui ont non seulement recueilli les éloges de la critique et de multiples nominations aux Oscars, mais ont également profondément résonné auprès du public du monde entier, façonnant l’histoire du cinéma de manière indélébile.
Bien qu’une victoire aux Oscars puisse sans aucun doute rehausser une carrière et fournir un moment de validation ultime de l’industrie, la véritable mesure des contributions de ces acteurs réside dans la puissance durable de leurs performances. L’intensité glaçante de Glenn Close, le charme polyvalent d’Amy Adams, la profondeur caméléon d’Edward Norton, la menace nuancée de Ralph Fiennes, le cool indéniable de Samuel L. Jackson, la force pionnière de Sigourney Weaver, l’art intrépide de Willem Dafoe, la brillance constante d’Annette Bening, l’intensité discrète de Michelle Williams et la gravité théâtrale de Sir Ian McKellen — ces qualités ont enrichi le cinéma bien au-delà des limites d’une seule cérémonie de remise de prix.
Leurs héritages sont assurés, bâtis sur une fondation de talent exceptionnel, de dévouement à leur art et d’une collection de personnages inoubliables qui continuent d’inspirer et de captiver. L’Oscar leur a peut-être échappé jusqu’à présent, mais leurs contributions extraordinaires au monde du cinéma sont indéniables et résisteront sans aucun doute à l’épreuve du temps.
