Jina Park: ‘Rocks, Smoke, and Pianos’ – Kukje Gallery (Corée du Sud)

Kukje Gallery a le plaisir de présenter Rocks, Smoke, and Pianos, une exposition solo de Jina Park dans les espaces K2 et Hanok de la galerie à Séoul. Dans cette première présentation des œuvres de l’artiste dans l’espace séoulien de la galerie depuis son exposition solo à Busan en 2021, Park dévoile environ 40 nouvelles œuvres utilisant l’huile et l’aquarelle, explorant des lieux spécifiques tels qu’une salle d’exposition de musée, une cuisine de restaurant et une usine de pianos. Elle continue d’utiliser la photographie comme base de sa pratique picturale, reconstruisant des scènes capturées avec son appareil photo. Depuis sa série Lomography (2004-07), où Park utilisait un appareil photo Lomo, elle s’est assigné la tâche de créer des peintures non contraintes par le sujet, l’action ou l’événement, mais plutôt axées sur la transformation de moments parfaitement quotidiens en sujets picturaux se déroulant dans une dimension invisible de l’espace.

Alors que l’exposition précédente Human Lights (2021), tenue dans l’espace de la galerie à Busan, incluait des scènes nocturnes en extérieur, toutes les peintures de cette exposition illustrent des espaces intérieurs, chacune dépeignant des figures immergées dans leur travail avec un sens du but. Le titre de l’exposition Rocks, Smoke, and Pianos fait référence à des objets banals que l’on pourrait passer sans remarquer et est une synecdoque faisant allusion aux différents sites que l’artiste a visités et enregistrés avec son appareil photo.

Parmi eux, un groupe d’œuvres collectivement appelé « rocks » comprend des scènes capturées lors de l’exposition de groupe à laquelle Park a été invitée à participer par le Busan Museum of Art. Cela inclut des scènes de manutentionnaires d’art déballant des rochers – éléments du travail de l’artiste Park Hyunki – ainsi que du personnel préparant du vinyle adhésif pour l’exposition, photographiés lors du voyage de recherche de Park au musée pendant que l’installation de l’exposition précédente était en cours. Les œuvres organisées autour du motif de « smoke » dépeignent des scènes animées à l’intérieur de la cuisine du restaurant de Kukje Gallery. Enfin, les œuvres regroupées autour de « pianos » sont la dernière série de Park explorant les détails internes de l’endroit où les pianos Steingraeber sont fabriqués à Bayreuth (une ville située en Bavière du Nord), en Allemagne, que Park a visité cette année.

Ces lieux choisis par l’artiste partagent les caractéristiques d’être des endroits quotidiens de travail où les ouvriers de chaque industrie remplissent leurs responsabilités derrière les panneaux « Réservé au personnel ». Compte tenu de son approche de cadrage, on pourrait supposer que l’activité de ces individus est le sujet le plus important de chaque scène. Cependant, dans les moments capturés par l’appareil photo de Park, où le hasard devient un élément clé, il n’y a vraiment pas d’actions dramatiques, de récits ou de significations pré-assignées. Par exemple, dans la série Kitchen (2022-24), une grande partie de la toile est occupée par un plan de travail encombré de divers ustensiles de cuisine et de fumée s’élevant dans l’air, autant que par les figures concentrées dans l’action. De même, les lignes et les plans de couleur qui composent la scène deviennent un événement en soi, comme dans les feuilles de vinyle rectangulaires dispersées rythmiquement sur le sol de l’exposition dans la série Red Letters (2023-24); dans le sol orange qui occupe les deux tiers de la peinture dans la série Rocks (2023-24); ou dans les lignes et courbes audacieuses qui traversent la toile dans la série Piano Factory (2024). Les figures aux poses ambiguës, sans intention de transmettre une signification, ne font qu’évoquer leur contexte et la spéculation du « avant » et « après » de la scène – donnant un sentiment de tension à la peinture. Cette tension provient du fait que, bien que la peinture soit issue de sujets quotidiens capturés par l’appareil photo de Park, elle élimine le contexte social ou la signification directe qu’ils peuvent détenir, mettant en avant les relations formelles et compositionnelles des lignes, des plans et des couleurs. En d’autres termes, la tension est intensifiée alors que Park poursuit son expérimentation vers l’art pour l’art.

Dès 2005, Park a exprimé son désir de créer des « peintures horizontales, ou des peintures sans hiérarchie ».¹ Dans cette déclaration, nous voyons comment les questions sur la « picturalité de la peinture » ont été au cœur de son travail tout ce temps. Park a continuellement expérimenté avec son art, cherchant une plus grande honnêteté dans les qualités physiques de ses matériaux picturaux et une plus grande autonomie. En ce qui concerne ses techniques, Park fait des coups de pinceau rapides rappelant des dessins pour créer des images vaguement structurées au point que la figure semble presque se fondre dans l’arrière-plan. Cependant, contrairement aux dessins, les figures sont en fait réalisées comme des amas de peinture, composées de coups de pinceau superposés. De plus, les qualités physiques des matériaux de peinture ne sont plus uniquement soumises à la représentation ou à la signification, comme l’artiste le montre en laissant la peinture à l’huile couler sur la toile ou les marques tachées de l’aquarelle sur le papier. Elle laisse visible la matérialité du médium artistique et utilise délibérément des expressions implicites et elliptiques pour offrir un espace à l’engagement imaginatif du spectateur.

Simultanément, l’appareil photo est devenu un outil précieux dans l’expérimentation de Park, visant à remettre en question la hiérarchie établie entre les éléments traditionnels de la peinture et à atteindre l’autonomie souhaitée. Park recompose diverses scènes capturées avec son appareil photo, empêchant ainsi un cadre temporel spécifique d’apparaître dans l’image fixe sur la toile. En outre, son travail reflète clairement les qualités d’imagerie uniques de l’appareil photo, telles que la distorsion des lignes droites causée par l’utilisation d’un objectif grand angle, l’aplatissement de la dimensionnalité spatiale à l’arrière-plan et un bloc de couleur planaire abstrait résultant du flash de l’appareil photo, ou les proportions dramatiques au sein du cadre pictural en raison de l’angle de l’appareil photo. Par conséquent, dans des œuvres comme Light for Interview (2023), A Pink Room (2024) et Hoverboards in Blue (2024), le mur et le sol sont reliés dans un plan continu, exprimé par des champs de couleur jaune, rose et bleu. Cette utilisation de la couleur apparaît comme une caractéristique importante dans l’œuvre de Park. Avec ces dispositifs, l’artiste embrasse la contingence, l’a-temporalité et l’a-sans-lieu – des caractéristiques des peintures abstraites – et construit un langage visuel unique où coexistent des espaces abstraits et représentatifs.

Cette exposition est un voyage au cours duquel Park navigue entre les frontières traditionnelles du dessin et de la peinture, de la figuration et de l’abstraction, ainsi que de la photographie et de la peinture. En introduisant des lacunes discordantes dans ce qui semble être une surface lisse de la peinture, elle explore sa propre approche de la question « Qu’est-ce que la picturalité de la peinture ? ». Le style naturaliste subit une série de transitions, résumées par les distorsions de l’objectif de l’appareil photo et les expérimentations picturales de l’artiste, pour revenir avec un langage et une grammaire picturaux entièrement nouveaux. Cela permet à l’artiste de créer des œuvres qui étudient en profondeur et expriment délibérément l’essence de la peinture. Ces moments fugaces, suspendus au présent continu, sont rassemblés dans l’espace d’exposition, invitant à la réflexion sur la véritable essence de la peinture.

Dates de l’exposition : 3 décembre 2024-26 janvier 2025.
Lieux d’exposition : Galerie Kukje K2, Hanok.