La Tate Britain présente « Les Années 80 : Photographier la Grande-Bretagne », une rétrospective marquante qui considère cette décennie comme un moment charnière pour le médium de la photographie. Rassemblant près de 350 images et matériaux d’archives de cette période, l’exposition explore comment les photographes ont utilisé l’appareil photo pour répondre aux bouleversements sociaux, politiques et économiques majeurs de leur époque. À travers leurs objectifs, l’exposition examine comment ce médium est devenu un outil de représentation sociale, de célébration culturelle et d’expression artistique durant cette période significative et hautement créative pour la photographie.
Cette exposition est la plus grande à ce jour à examiner le développement de la photographie au Royaume-Uni dans les années 1980. Présentant plus de 70 artistes et collectifs basés sur l’image, elle met en lumière une génération qui s’est engagée avec de nouvelles idées de pratique photographique, des noms bien connus à ceux dont le travail est de plus en plus reconnu, incluant Maud Sulter, Mumtaz Karimjee et Mitra Tabrizian. Elle comprend des images prises à travers tout le Royaume-Uni, des paysages post-industriels de John Davies aux portraits de jeunes chômeurs à Newcastle par Tish Murtha. Des développements importants sont explorés, des avancées techniques en photographie couleur à l’impact de la théorie culturelle par des chercheurs comme Stuart Hall et Victor Burgin, ainsi que des publications influentes comme Ten.8 et Camerawork où de nouveaux débats sur la photographie ont émergé.
Les années 80 introduisent la Grande-Bretagne de Thatcher à travers la photographie documentaire illustrant certains des événements politiques tumultueux de la décennie. L’histoire prend vie avec des images puissantes des grèves des mineurs par John Harris et Brenda Prince ; des manifestations anti-racistes par Syd Shelton et Paul Trevor ; des images de Greenham Common par Format Photographers et des projets répondant au conflit en Irlande du Nord par Willie Doherty et Paul Seawright. La photographie enregistrant une Grande-Bretagne en mutation et ses disparités croissantes est également présentée à travers les images d’excès corporatif d’Anna Fox, les observations des bureaux de sécurité sociale de Paul Graham, et les représentations absurdes de la classe moyenne anglaise par Martin Parr, exposées aux côtés des portraits de l’East End londonien en voie de disparition par Markéta Luskačová et Don McCullin, et des ‘sea-coalers’ transitoires de Chris Killip en Northumberland.
Une série de présentations thématiques explore comment la photographie est devenue un outil captivant de représentation. Pour Roy Mehta, Zak Ové et Vanley Burke, qui dépeignent leurs communautés multiculturelles, la photographie offre une voix aux gens autour d’eux, tandis que le projet Handsworth Self Portrait Project 1979 de John Reardon, Derek Bishton et Brian Homer donne à une communauté un espace joyeux pour s’exprimer. De nombreux photographes noirs et sud-asiatiques utilisent le portrait pour surmonter la marginalisation dans un contexte de discrimination. L’exposition met en lumière des artistes basés sur l’image tels que Roshini Kempadoo, Sutapa Biswas et Al-An deSouza qui expérimentent avec des images pour réfléchir aux identités diasporiques, et des artistes comme Joy Gregory et Maxine Walker qui emploient l’autoportrait pour célébrer les idées de beauté et de féminité noires.
Sur fond de la Section 28 et de l’épidémie de SIDA, les photographes utilisent également l’appareil photo pour affirmer la présence et la visibilité de la communauté LGBTQ+. Tessa Boffin réimagine de manière subversive des personnages littéraires en lesbiennes, tandis que la série ‘Pretended’ Family Relationships 1988 de Sunil Gupta juxtapose des portraits de couples queer avec le texte législatif de la Section 28. Pour certains, leur travail revendique une positivité sexuelle pendant une période de peur. L’exposition met en lumière les photographes Ajamu X, Lyle Ashton Harris et Rotimi Fani-Kayode qui chacun centrent les expériences queer noires et contestent les stéréotypes à travers des études de nus puissants et des portraits intimes. Elle révèle également comment des photographes en dehors de la communauté queer, incluant Grace Lau, ont été invités à les représenter. Connue pour documenter les sous-cultures fétichistes, la série Him and Her at Home 1986 et Series Interiors 1986 de Lau enregistre avec tendresse les membres de cette communauté continuant à exister avec défi.
L’exposition se termine par une série d’œuvres qui célèbrent les mouvements contre-culturels des années 80, tels que la documentation énergique des performances underground et de la culture des clubs par Ingrid Pollard et Franklyn Rodgers. Le spectacle met en lumière l’émergence du magazine i-D et son impact sur une nouvelle génération de photographes comme Wolfgang Tillmans et Jason Evans, qui avec le styliste Simon Foxton, pionniers d’un style de photographie de mode avant-gardiste inspiré par cette vague alternative et excitante de culture jeunesse, reflet d’une nouvelle vision de la Grande-Bretagne à l’aube des années 1990.
