Au printemps 2026, la Tate Britain présentera la première grande exposition rétrospective consacrée à l’artiste britannique Hurvin Anderson. Réunissant environ 80 œuvres, l’exposition embrassera la totalité de la carrière de l’artiste, depuis ses études formatives jusqu’à une salle dédiée à des peintures inédites. Cette présentation vise à contextualiser la position d’Anderson comme l’un des peintres contemporains les plus importants de sa génération, soulignant son engagement profond envers les traditions du paysage britannique et son utilisation atmosphérique de la composition pour explorer les marqueurs de l’identité.
Au cœur de la rétrospective se trouve le tissage thématique qu’Anderson construit entre le Royaume-Uni et les Caraïbes, reflet de ses propres expériences d’appartenance et de diaspora. Né à Birmingham de parents issus de la génération Windrush — son père a émigré de Jamaïque en 1961 —, Anderson fut le premier membre de sa famille à naître en Angleterre. Son œuvre évoque fréquemment un sentiment de dislocation, ou ce que l’artiste décrit comme l’état « d’être à un endroit tout en pensant à un autre ». La structure de l’exposition reflète cette fluidité, naviguant à travers ses trente années de pratique plutôt que de suivre une chronologie strictement linéaire.
Les premières œuvres présentées interrogent la mémoire et les structures familiales par la confluence du passé et du présent. Utilisant des photographies de famille pour reconstruire des « souvenirs transitoires », Anderson crée des systèmes de soutien imaginés dans des toiles telles que Bev (1995), un double portrait représentant sa sœur simultanément enfant et femme, et Hollywood Boulevard (1997), qui dépeint l’artiste enfant aux côtés de son père.
Une part significative de la rétrospective examine l’évolution du langage visuel d’Anderson à travers la série Ball Watching (1997-2003). Dérivées d’une photographie d’amis dans le parc Handsworth à Birmingham, ces œuvres superposent une esthétique tropicale à un cadre anglais reconnaissable, abordant ainsi la faillibilité de la mémoire et la tension entourant l’héritage culturel. Pour fournir un contexte historique sur l’adolescence d’Anderson dans les années 1970 et 1980, l’essai filmique de 1986 du Black Audio Film Collective, Handsworth Songs, sera projeté à l’extérieur de l’espace d’exposition.
La réimagination d’espaces publics revêtant une signification culturelle spécifique occupe une place prépondérante dans l’exposition. Ses séries Barbershop (2006-2023) et Peter’s (2007-9) font référence aux salons de coiffure improvisés établis par les immigrants caribéens dans des cadres domestiques durant les années 50 et 60, lieux vitaux de rassemblement social et d’initiative économique. Parmi les œuvres clés exposées figureront Peter’s Sitters II (2009), des compositions précoces comme Jersey (2008) et des travaux récents tels que Skiffle et Shear Cut (tous deux de 2023).
L’exposition interroge également les thèmes de la séparation et du regard. Suite à une résidence à Trinidad en 2002, Anderson a produit la série Welcome, représentant des bars caribéens vus à travers des grilles de sécurité qui imposent une distance physique et émotionnelle. Cette exploration de l’exclusion se poursuit dans Country Club: Chicken Wire (2008), où une clôture hexagonale sépare le spectateur de la scène, faisant allusion aux héritages de la ségrégation raciale et sociale. Dans un tournant vers une enquête politique plus directe, la peinture Is It OK To Be Black? (2015-6) présente des images semi-abstraites de figures telles que Martin Luther King Jr. et Malcolm X, subvertissant le rôle du spectateur en le plaçant dans la position du modèle.
Une inclusion majeure de l’exposition est la première présentation au Royaume-Uni de l’œuvre monumentale Passenger Opportunity (2024-5). Inspirée des peintures murales réalisées en 1985 par Carl Abrahams à l’aéroport international Norman Manley de Jamaïque, cette pièce de 24 panneaux a été reconçue pour refléter de nouvelles narrations historiques sur l’émigration de la Jamaïque vers la Grande-Bretagne entre les années 1940 et 1970. La galerie présentera également des œuvres de la série sur les hôtels jamaïcains, incluant Grace Jones (2020) et Ashanti Blood (2021), qui dépeignent des sites touristiques abandonnés et reconquis par la nature.
L’exposition se tiendra du 26 mars au 23 août 2026.
