Le nouveau film thaïlandais Same Day with Someone se présente, en surface, comme une comédie romantique construite autour du trope cinématographique familier de la boucle temporelle. La prémisse est simple : une jeune femme privilégiée est forcée de revivre le pire jour de sa vie jusqu’à ce qu’elle trouve un moyen de briser le cycle. Bien que les comparaisons avec des œuvres canoniques du sous-genre comme Un jour sans fin soient inévitables, de tels parallèles s’avèrent réducteurs. Le film, une production Netflix d’une durée de 118 minutes, affiche une ambition plus délibérée et audacieuse. Il utilise le cadre accessible d’une comédie romantique à concept élevé non pas comme une fin en soi, mais comme un véhicule narratif sophistiqué pour une exploration nuancée et profondément ressentie du traumatisme psychologique et de la guérison. L’intention déclarée des cinéastes de créer une œuvre qui se démarque des productions habituelles du genre est évidente dès ses fondements conceptuels. Le scénario, écrit par Rangsima Akarawiwat, est né de l’expérience de consoler une amie au cœur brisé, menant à la décision consciente et explicite d’allégoriser les cinq étapes du deuil au sein de la structure itérative d’une boucle temporelle. Cela positionne le film comme une subversion réfléchie de son genre, utilisant la mécanique de la répétition pour cartographier le processus complexe et non linéaire de la guérison.
L’architecture de cette journée qui se répète est méticuleusement conçue pour déconstruire la vie, elle-même méticuleusement construite, de la protagoniste. Nous découvrons Mesa Worathepanant, une conservatrice de la haute société dont l’existence est un témoignage d’ordre, de prestige et de contrôle. Sa journée catastrophique, le 8 août 2025, se déroule comme une double agression contre son identité. D’abord, le fiancé de ses rêves, un personnage fringant interprété par Trisanu Soranun, met brusquement fin à leur relation, brisant son récit personnel d’un avenir parfait. Simultanément, elle subit un cataclysme professionnel lorsqu’un artefact d’une valeur inestimable sous sa garde, la pierre sacrée de Sirisila, est endommagé. Cette confluence d’échecs personnels et professionnels crée le creuset dans lequel elle est piégée. Le choix de la profession est thématiquement pertinent ; la vocation d’un conservateur est la préservation et l’organisation d’objets, la construction minutieuse de récits autour de la valeur et de l’histoire. La vie de Mesa est, en substance, une exposition de succès soigneusement organisée. La boucle temporelle devient donc l’antithèse ultime de son être, un état de profonde impuissance qui force cette maîtresse du contrôle à affronter une réalité chaotique qu’elle ne peut plus arranger, cataloguer ou contenir.
Au fond, le film fonctionne comme une externalisation convaincante d’un processus psychologique interne. Le concept narratif de la boucle temporelle fournit une grammaire visuelle et tangible pour l’expérience émotionnelle abstraite du deuil. Le scénario de Rangsima Akarawiwat transforme le modèle de Kübler-Ross en une série d’actions narratives, permettant au public d’assister au parcours de Mesa à travers le déni, la colère, le marchandage, la dépression et l’acceptation éventuelle, non pas comme un monologue intérieur, mais comme une séquence d’expériences observables par essais et erreurs. Dans les premières boucles, ses actions sont probablement caractérisées par un déni frénétique, tentant de réparer les désastres de la journée avec des solutions superficielles. À mesure que la futilité de cette approche devient claire, son comportement change, passant par une colère destructrice et un marchandage désespéré avec l’univers et les personnages qui peuplent sa journée. Une période de résignation apathique s’ensuit, un analogue clair de la dépression, avant qu’elle ne commence à aborder la journée répétitive non pas comme une prison à fuir, mais comme une énigme à comprendre. Ce choix structurel permet au film d’explorer la nature souvent répétitive du traitement du traumatisme, où le progrès n’est pas toujours linéaire. L’objectif déclaré de la production était d’offrir quelque chose d’aussi réconfortant que l’étreinte d’un ami, et il y parvient en démystifiant le processus de guérison, le présentant comme un voyage difficile mais navigable vers une nouvelle perspective sur les défis de la vie.
Plus d'Artilces
Ce récit psychologique est soutenu par une mise en scène riche et symbolique. Le film se déroule dans le pays fictif de Chinlin, un choix délibéré de construction d’univers qui détache l’histoire d’une réalité contemporaine spécifique et la place dans un espace légèrement mythifié, aux allures de fable, où un événement allégorique comme une boucle temporelle semble plus plausible. L’esthétique de Chinlin est une composition inspirée par l’art de divers pays d’Asie de l’Est, créant un paysage visuel unique. Au centre de ce monde se trouve le grandiose et réaliste Musée Worathepanant, qui fonctionne comme une métaphore puissante de la psyché même de Mesa : extérieurement parfait, ordonné et impressionnant, mais contenant un noyau fragile sur le point de se briser. La direction artistique est truffée de ce que les cinéastes décrivent comme un symbolisme caché, invitant à un visionnage attentif. Le plus significatif est la vénérée statue de la Déesse au Ruban Rouge, un objet dont le design, inspiré de l’art tibétain, incorpore un ruban rouge noué en symbole de l’infini. C’est une articulation visuelle directe du thème central du film sur les cycles sans fin, un indice non verbal qui renforce la situation de la protagoniste. Même la garde-robe de Mesa est imprégnée de sens, chaque tenue reflétant son état initial de perfection organisée et changeant subtilement à mesure que son paysage intérieur se transforme. Les éléments esthétiques ne sont pas simplement décoratifs ; ils sont des composantes intégrales de l’architecture thématique du film.
Le formidable défi de cette structure narrative incombe aux interprètes, notamment à l’actrice principale, Jarinporn Joonkiat. Figure accomplie et primée du cinéma thaïlandais, la tâche de Joonkiat est de dépeindre un personnage extérieurement statique mais intérieurement dynamique. Sa performance doit fonctionner comme un palimpseste, où chaque itération du jour est superposée au poids psychologique cumulé de toutes les boucles précédentes. Elle doit transmettre la frustration, le désespoir et la sagesse éventuelle acquis à chaque échec, en veillant à ce que le public perçoive les traces des tentatives passées sous la surface de chaque « nouveau » jour. Son interprétation de la gentillesse vive et sincère de Mesa devient la référence à laquelle sa transformation est mesurée. Le catalyseur de cette transformation apparaît sous la forme de Ben, un collègue conservateur attachant et nerd interprété par Warintorn Panhakarn, un vétéran des séries télévisées thaïlandaises. Pour leur première collaboration à l’écran, leur dynamique constitue l’ancre émotionnelle du film. Ben représente la seule variable significative dans l’équation répétitive de Mesa, la personne avec qui elle peut forger un nouveau modèle d’interaction. L’arc narratif est porté par l’évolution de leur relation à travers les boucles, passant d’un rejet initial à une dépendance et une connexion progressives. La distribution, qui comprend Charlette Wasita Hermenau dans le rôle d’une collègue importante de Mesa et Jaturong Phonboon qui apporte une touche de génie comique, contribue à une alchimie authentique qui ancre le concept élevé dans une interaction humaine crédible, une marque de fabrique des styles d’interprétation thaïlandais qui recherchent souvent un « devenir » naturaliste du personnage.
En fin de compte, Same Day with Someone est une œuvre d’une maturité artistique notable pour ses principaux créateurs. Le réalisateur Yanyong Kuruangkura, dont les films précédents comme App War et Mother Gamer mêlaient habilement comédie et commentaire social contemporain, pivote avec succès vers un récit plus interne, axé sur les personnages. Le partenariat créatif établi avec la scénariste Rangsima Akarawiwat, qui a également écrit App War, leur permet d’appliquer leur facilité éprouvée pour les prémisses engageantes et à concept élevé à un sujet d’une plus grande profondeur émotionnelle. Le film répond à l’ambition de Kuruangkura de créer quelque chose qui se démarque de la comédie romantique typique, en utilisant les tropes du genre comme base pour une enquête plus profonde sur la capacité humaine de résilience. C’est une histoire qui fait du bien, mais qui gagne sa chaleur par un examen réfléchi de la douleur. Le message final du film est celui d’un optimisme thérapeutique : les boucles apparemment inéluctables de nos vies, qu’elles naissent du deuil ou de la routine, ne sont pas de simples prisons mais peuvent être des creusets pour la réévaluation, la croissance et la découverte de nouvelles connexions. Cette aventure réconfortante est disponible en streaming mondial sur Netflix. Le film est sorti le 18 septembre.
