La nouvelle série sud-coréenne Aema a été lancée mondialement sur la plateforme de streaming Netflix, présentant une comédie dramatique historique qui explore l’une des périodes les plus turbulentes et contradictoires de l’histoire culturelle moderne de la nation. Située au cœur de l’industrie cinématographique coréenne, connue sous le nom de Chungmuro, au début des années 1980, cette série en six parties construit un récit romancé autour de la production d’un film réel et historiquement significatif : le long-métrage érotique de 1982, Madame Aema. Ce film fut un succès au box-office qui a effectivement inauguré un essor du cinéma érotique, un genre qui allait définir une grande partie de la production cinématographique populaire de la décennie. La série, cependant, utilise cet événement historique non pas comme le sujet d’un biopic, mais comme un catalyseur pour explorer les pressions systémiques, les politiques de genre et les compromis artistiques qui caractérisaient la réalisation de films sous un régime autoritaire. Le récit est porté par les trajectoires croisées de deux femmes aux extrémités opposées du spectre professionnel. Jung Hee-ran, interprétée par Lee Hanee, est une actrice établie et primée au sommet de sa carrière, qui peine pourtant à redéfinir son image publique et à échapper aux rôles stéréotypés qui ont fait sa renommée. Face à elle, Shin Joo-ae, une nouvelle venue farouchement ambitieuse jouée par Bang Hyo-rin, qui commence la série en tant que danseuse de claquettes dans une boîte de nuit avec des rêves de célébrité. Le conflit central éclate lorsque Hee-ran, dans un acte décisif d’autopréservation professionnelle, refuse le rôle principal dans Madame Aema après avoir lu un scénario qu’elle juge rempli de scènes de nu excessives et gratuites. Ce refus crée un vide que l’opportuniste Joo-ae s’empresse de combler, remportant le rôle et préparant le terrain pour une rivalité professionnelle complexe. Cette dynamique se déploie au sein d’une industrie dominée par les hommes où l’agentivité des femmes est perpétuellement contestée, établissant dès les premiers instants le terrain thématique principal de la série. La classification de la série en tant que comédie dramatique est un indicateur crucial de sa stratégie tonale et intellectuelle. Plutôt que d’aborder son sujet sérieux avec une solennité sans faille, Aema emploie des éléments comiques et satiriques pour disséquer les absurdités des structures de pouvoir et des mœurs sociales de l’époque, positionnant l’œuvre comme un commentaire critique sophistiqué plutôt qu’un simple mélodrame historique.
Le paysage paradoxal du Chungmuro des années 1980
Pour bien comprendre les pressions narratives qui façonnent les personnages d’Aema, il faut saisir le paysage sociopolitique unique et profondément paradoxal de la Corée du Sud au début des années 1980. La série se déroule sous le régime militaire autoritaire du président Chun Doo-hwan, dont le règne de 1980 à 1988 est considéré comme l’une des périodes les plus sombres de l’histoire moderne de la nation, une ère de répression politique intense et de libertés civiles restreintes. Dans les représentations cinématographiques, cette période est presque invariablement dépeinte avec une palette visuelle sobre, caractérisée par des couleurs sourdes et des ombres lourdes, reflétant l’humeur nationale oppressive, comme on le voit dans des films tels que Seoul Spring et 1987: When the Day Comes. Le gouvernement de Chun, cherchant à étouffer la dissidence publique et à détourner l’attention de ses activités politiques, a mis en œuvre ce qui a été décrit comme la « Politique des 3S » : une promotion parrainée par l’État de l’Écran (Screen), du Sexe (Sex) et du Sport (Sports). Bien qu’il existe un débat historique sur la codification formelle de cette politique, la série la présente comme un instrument calculé de pacification politique, conçu pour fournir aux masses des divertissements et des exutoires. Un élément clé de cette stratégie était l’encouragement actif de l’industrie du film érotique. La levée en 1982 d’un couvre-feu national de 36 ans a créé un nouveau marché pour le divertissement nocturne, menant à l’essor des « films de minuit », dont Madame Aema fut le premier et le plus explosif succès. Cependant, cet encouragement étatique au contenu sexuel était associé à une force tout aussi puissante et contradictoire : un système de censure d’État strict et souvent arbitraire. Les cinéastes se sont retrouvés dans un environnement créatif volatile et schizophrénique. Ils étaient poussés par la politique gouvernementale et la demande du marché à produire du contenu sexuellement explicite, tout en étant simultanément soumis aux caprices imprévisibles des censeurs qui pouvaient exiger des coupes ou des modifications, les privant ainsi de leur liberté d’expression. Cette contradiction fondamentale n’est pas un simple décor historique dans Aema ; elle fonctionne comme le moteur principal du récit. Les pressions externes qui assaillent les personnages — des exigences incessantes du producteur pour des scènes de nu afin de répondre aux attentes commerciales, au désir du réalisateur de créer de l’art au milieu d’un mercantilisme grossier, en passant par les luttes des acteurs avec des scènes d’exploitation — sont toutes des conséquences directes de cette politique d’État paradoxale. La série postule qu’à cette époque, la vie personnelle et professionnelle des artistes était inextricablement liée aux machinations politiques d’un État autoritaire, créant un microcosme des tensions sociétales plus larges de l’époque.
Plus d'Artilces
Un récit de rivalité et de solidarité
Le cœur dramatique d’Aema réside dans la relation complexe et évolutive entre ses deux protagonistes féminines, dont les parcours personnels et professionnels servent de prisme puissant à travers lequel la série examine les politiques de genre du cinéma coréen des années 1980. Le récit retrace méticuleusement leur dynamique, qui passe d’une rivalité acérée à une alliance résiliente et significative. L’arc narratif de Jung Hee-ran est celui de la résistance et de la reconquête. Interprétée par Lee Hanee, elle est une star de premier plan qui a bâti sa carrière sur les populaires « films d’hôtesses » des années 1970, des films qui mettaient souvent en scène des serveuses de bar et des prostituées, cimentant son image de sex-symbol. À un tournant de sa carrière, elle est déterminée à dépasser cette image et à être reconnue pour son seul talent d’actrice. Son refus du rôle principal dans Madame Aema n’est pas un acte de pudibonderie, mais une décision calculée d’autodétermination professionnelle, une prise de position contre le fait d’être davantage cataloguée et exploitée. Cet acte de défi, cependant, ne lui accorde pas la liberté. Elle est contractuellement liée au producteur du film, l’odieux et manipulateur Gu Joog-ho (Jin Seon-kyu), qui utilise une faille dans leur accord pour la contraindre à un rôle secondaire humiliant dans le film même qu’elle a rejeté. Cela l’oblige à naviguer dans la production depuis une position compromise, culminant en moments de confrontation explosive, y compris une altercation physique avec le producteur et la promesse provocatrice : « Joong-ho, allons en enfer ». En contraste frappant, l’arc de Shin Joo-ae est un roman d’apprentissage sur l’ambition et la désillusion. Jouée par la nouvelle venue Bang Hyo-rin, Joo-ae est un personnage à l’ambition brute, une danseuse de claquettes qui voit le rôle principal vacant dans Madame Aema comme une opportunité unique. Elle déclare audacieusement son intention de devenir « la prochaine Jeong Hee-ran », signifiant son désir de supplanter son idole. Au départ, elle est prête à tout pour réussir, y compris à se plier aux exigences d’exploitation de l’industrie. Cependant, à mesure que la production avance, ses illusions sont systématiquement brisées. Elle est confrontée à la réalité de son rôle, forcée de jouer des « scènes explicites insensées » dictées par les producteurs et les censeurs, et fait l’expérience directe de la misogynie omniprésente de l’industrie. Son parcours est douloureux mais transformateur, la menant d’une ambition naïve à une conscience critique développée sur le système qu’elle cherchait à conquérir.
Initialement, la relation entre les deux femmes est définie par la friction. Hee-ran, peu sûre d’elle après avoir été mise à l’écart et pleine de ressentiment envers sa remplaçante, mène la vie dure à la nouvelle venue sur le plateau. Pourtant, alors qu’elles subissent toutes deux les machinations des hommes au pouvoir, leur expérience commune de l’oppression systémique commence à forger un lien improbable. Leur rivalité cède lentement la place à une « douce solidarité ». Elles finissent par reconnaître que leur véritable ennemi n’est pas l’une l’autre, mais le système patriarcal qui les oppose pour des bribes de pouvoir et de respect. Cette évolution d’antagonistes à alliées, unies dans une détermination commune à repousser l’exploitation, forme le cœur émotionnel et thématique de la série. Ce parcours est encadré par les actions des personnages masculins qui représentent les forces corruptrices de l’industrie. Gu Joog-ho, le PDG de Shinsung Films, est l’incarnation du mercantilisme cynique. Décrit comme un « producteur véreux » qui « ne reculerait devant rien pour survivre » dans le monde compétitif de Chungmuro, il considère ses acteurs comme des marchandises et l’art comme un produit à vendre. Son faire-valoir est le réalisateur débutant, Kwak In-woo (Cho Hyun-chul). Caractérisé comme « timide », « maladroit » et « réservé », In-woo est un artiste en herbe qui veut faire un film avec un « érotisme subtil » mais se retrouve pris entre sa propre vision créative et la clameur incessante du producteur pour des « poitrines à n’en plus finir ». Il représente l’artiste compromis, luttant pour maintenir son intégrité au sein d’un système axé sur l’exploitation. La série emploie une structure narrative sophistiquée où le film dans le film devient un puissant méta-commentaire sur l’agentivité féminine. Les luttes à l’écran des personnages de Madame Aema reflètent directement les batailles hors écran des actrices qui les incarnent. Comme le note une analyse, « Transmué par le processus de réalisation, le désir sexuel à l’écran des protagonistes de Madame Aema devient le désir d’agentivité des actrices qui les interprètent ». Le combat de Hee-ran contre les scènes de nu et l’inconfort de Joo-ae face au contenu gratuit ne sont pas de simples éléments de l’intrigue ; ce sont des arguments thématiques sur le contrôle et l’objectification du corps féminin au cinéma et dans la société en général. De plus, la série fait un choix structurel subversif dans sa répartition du ton. Le récit dramatique principal — le voyage émotionnel complexe de la rivalité à la solidarité face à l’abus systémique — est porté presque exclusivement par les deux protagonistes féminines. En revanche, les membres masculins de la distribution sont largement responsables des éléments comiques, qui naissent souvent de leur grossièreté et de la comédie de malaise intense lors de la réalisation et du tournage des scenes érotiques. En faisant des figures masculines d’autorité les principaux objets de la satire et des figures féminines les sujets d’un drame sérieux et captivant, la série inverse subtilement les dynamiques de pouvoir narratives traditionnelles, centrant l’expérience féminine et utilisant l’humour pour critiquer les fondements mêmes du système patriarcal.
La vision d’auteur de Lee Hae-young
Aema marque les débuts télévisuels du scénariste-réalisateur Lee Hae-young, un cinéaste dont l’œuvre établie au cinéma fournit un contexte clair pour les ambitions stylistiques et thématiques de la série. Un examen de sa filmographie révèle un auteur à la voix distinctive, caractérisé par une fluidité des genres, une sensibilité visuelle raffinée et une préoccupation constante pour les personnages naviguant dans des structures sociales oppressives. Ses films précédents ont couvert de multiples genres, de l’action criminelle de Believer (2018) et du thriller d’espionnage Phantom (2023) au film d’horreur et de mystère The Silenced (2015) et aux comédies Foxy Festival (2010) et Cheonhajangsa Madonna (Like a Virgin) (2006). À travers ces projets variés, son travail a été salué pour sa « narration fraîche », sa « réalisation sensible et subtile » et une mise-en-scène sophistiquée qui combine une action forte avec des caractérisations très distinctives. Les préoccupations thématiques d’Aema ne sont pas nouvelles dans l’œuvre de Lee. Son film le plus récent, Phantom, qui mettait également en vedette Lee Hanee, a été remarqué pour son accent sur la « solidarité des femmes dans une société patriarcale étouffante », un thème central de cette nouvelle série. En ce sens, Aema peut être considérée comme une continuation et une expansion de ses intérêts artistiques, appliquant ses sensibilités cinématographiques au format épisodique de la télévision. La signature d’auteur la plus frappante dans Aema est peut-être son esthétique visuelle délibérée et hautement stylisée. La série rejette consciemment le langage visuel conventionnel utilisé pour représenter l’ère de Chun Doo-hwan. Au lieu des « palettes sourdes » et des « ombres épaisses » attendues qui signifient l’oppression politique, Lee Hae-young construit les années 1980 comme un monde « somptueux » et « voluptueux », un « festival de couleurs kaléidoscopiques et de mode fabuleuse ». Il ne s’agit pas d’un acte de romantisation nostalgique mais d’une stratégie critique calculée. Le réalisateur lui-même a exprimé l’intention derrière ce choix, déclarant que plus « les sons et les images apparaissent éblouissants en surface, plus la violence de cette époque barbare transparaîtrait clairement comme un message ». Ce choix esthétique fonctionne comme une forme de révisionnisme historique. Il soutient visuellement que la brutalité de l’époque n’était pas seulement une question de répression politique manifeste, mais qu’elle était également masquée par la surface criarde et distrayante d’une culture de divertissement de masse parrainée par l’État. L’esthétique vibrante force le spectateur à affronter la profonde dissonance entre l’industrie culturelle naissante et colorée et la sombre réalité politique qu’elle était censée occulter. Cette stratégie visuelle rend l’oppression sous-jacente plus insidieuse, soulignant l’hypocrisie au cœur de la politique des 3S.
La série s’inscrit également dans une conversation plus large au sein du cinéma sud-coréen contemporain. Elle partage un ADN stylistique et thématique notable avec d’autres films récents qui réexaminent le passé cinématographique de la nation. Son postulat présente une forte ressemblance avec Ça tourne à Séoul! Cobweb (2023) de Kim Jee-woon, une méta-comédie et une farce affectueuse qui satirise les égos et les insécurités d’une équipe de tournage dans les années 1970. Utilisant une structure de film dans le film, Ça tourne à Séoul! Cobweb suit un réalisateur frustré qui se bat contre les dirigeants de studio et les censeurs du gouvernement tout en essayant de retourner la fin de son film. De plus, le panache visuel d’Aema et le choix de Lee Hanee dans un rôle qui déconstruit les archétypes féminins font écho au film culte Killing Romance (2023) de Lee Won-suk. Cette comédie noire musicale et absurde a également utilisé un style vibrant et surréaliste et une intrigue sombrement comique pour explorer la libération d’une femme d’un homme abusif et contrôlant, tout en critiquant la culture de la célébrité. L’émergence de ces films suggère qu’Aema n’est pas une œuvre isolée mais une entrée clé dans un sous-genre en développement de films d’époque autoréflexifs. Ce mouvement voit les cinéastes coréens contemporains engager un dialogue critique avec leur propre histoire nationale et cinématographique, utilisant les outils du genre, du style et de la méta-narration pour réinterroger les traumatismes et les contradictions du passé d’un point de vue moderne.
Une lentille de fiction sur la vérité historique
Bien qu’Aema soit profondément ancrée dans un moment historique spécifique, il est crucial de comprendre sa relation avec les faits. La série est une œuvre de fiction historique, pas un documentaire ou un biopic. Le film de 1982 Madame Aema était un phénomène culturel réel et massivement influent, en tête du box-office et donnant lieu à une douzaine de suites directes et de nombreux autres dérivés. Cependant, les personnages qui peuplent la série — des actrices Jung Hee-ran et Shin Joo-ae au producteur Gu Joog-ho et au réalisateur Kwak In-woo — sont des créations entièrement fictives. Le réalisateur Lee Hae-young a reconnu s’être inspiré des expériences documentées d’actrices de cette époque, en particulier An So-young, la star de l’original Madame Aema, mais le récit ne suit pas les événements spécifiques de la vie d’une seule personne. Cette fictionnalisation délibérée est un choix stratégique qui permet à la série de poursuivre un programme thématique plus profond et plus vaste. En créant des personnages archétypaux plutôt que d’être contraint par la fidélité biographique, le récit est libre de fonctionner comme un commentaire social plus large. Il peut explorer plus efficacement les problèmes systémiques de misogynie, de censure, de compromis artistique et d’exploitation commerciale qui étaient endémiques dans l’industrie à l’époque. Les personnages deviennent des représentants des différentes forces en jeu, permettant un examen plus ciblé des dynamiques de pouvoir de l’époque.
L’implication de la société de production The Lamp Co., Ltd., qui a coproduit la série avec Studio Kik Co., Ltd., confère un poids significatif à cette approche. The Lamp Co. s’est bâti une solide réputation en produisant des films acclamés par la critique et commercialement réussis, méticuleusement documentés et basés sur des événements historiques réels. Leur filmographie comprend des titres marquants tels que A Taxi Driver (2017), qui a dramatisé le soulèvement de Gwangju ; Mal-Mo-E : The Secret Mission (2019), sur la préservation de la langue coréenne sous la domination coloniale japonaise ; Samjin Company English Class (2020), basé sur un véritable scandale d’entreprise ; et Phantom (2023), un thriller d’espionnage également réalisé par Lee Hae-young et avec Lee Hanee. L’association d’une maison de production connue pour son engagement envers l’authenticité historique avec un projet explicitement fictif est une décision créative importante. Elle suggère la conviction que, dans ce cas, un récit de fiction est un véhicule plus puissant pour transmettre la vérité émotionnelle et systémique des années 1980 qu’un récit strictement factuel ne pourrait l’être. Elle signale au public que, bien que l’histoire ne soit pas littéralement vraie, elle doit être prise au sérieux en tant qu’interprétation historique, équilibrant les éléments vibrants, comiques et dramatiques de la série avec un fond de rigueur journalistique et historique. En fin de compte, Aema se présente comme une réévaluation moderne et complexe d’un moment charnière et controversé de l’histoire culturelle coréenne. Elle utilise son cadre fictif et une vision d’auteur distincte pour explorer des thèmes intemporels de solidarité féminine, le prix de l’intégrité artistique et la relation complexe, souvent périlleuse, entre l’art, le commerce et la politique.
La série en six parties Aema est désormais disponible en streaming dans le monde entier, après sa première sur Netflix le 22 août 2025.
