Dans les confins opulents et périlleux de l’Ōoku, le palais intérieur du shogun, un lieu d’une beauté exquise et d’une intrigue suffocante, une figure énigmatique fait son retour. Il s’agit de l’Apothicaire, un exorciste errant dont la véritable nature est aussi voilée que les esprits qu’il affronte. Sa réapparition signale un nouveau mal spirituel qui s’envenime au sein de cette cage dorée, un monde méticuleusement reconstitué dans Mononoke, le film : Chapitre II – Les cendres de la rage. Le film replonge le public dans cette société hermétiquement close, où l’air est chargé non seulement d’encens, mais aussi d’envie, d’ambition et de désespoir.
Le conflit central s’embrase avec un phénomène terrifiant et inexplicable : des individus liés à la cour commencent à entrer en combustion spontanée, leurs corps réduits à une simple cendre fine. Cet incendie surnaturel est l’œuvre d’un mononoke, un esprit vengeur né du creuset de la souffrance humaine. Cette entité est le Hinezumi, le « Rat de Feu », une créature dont la complainte s’écrit dans les flammes. Le slogan inquiétant du film, « Si vous ne le tranchez pas, il ne s’arrêtera pas », résume la nature implacable et profondément enracinée de cette nouvelle menace, suggérant que ses origines se trouvent dans une blessure qui ne peut être facilement cautérisée.
Cependant, qualifier Les cendres de la rage de simple film d’horreur psychologique et surnaturel serait ignorer sa profonde complexité. Il s’agit d’une continuation sophistiquée et ambitieuse d’une franchise culte vénérée, qui exploite son esthétique singulière et son cadre narratif complexe pour mener un examen profond et sans concession des structures sociales, de la précarité de l’agentivité féminine et des conséquences tragiques de la déshumanisation systémique. Le film ne parle pas seulement d’un monstre à abattre ; il s’agit d’un système à disséquer, d’une tragédie à comprendre et d’une douleur à contempler. Il confirme la place de la saga Mononoke comme l’une des entreprises les plus intellectuellement rigoureuses et artistiquement audacieuses de l’animation contemporaine.
Plus d'Artilces
Un héritage ranimé
Avant de se plonger dans les subtilités du nouveau film, il est essentiel de le situer dans sa lignée unique et souvent mal comprise. Le nom même de Mononoke prête fréquemment à confusion, évoquant des images du célèbre film du Studio Ghibli, Princesse Mononoké. Il est crucial de clarifier que les deux œuvres n’ont aucun lien, si ce n’est leur utilisation commune d’un nom issu du folklore japonais. Un « mononoke » est un terme général désignant un esprit vengeur, une apparition née d’une émotion humaine intense qui cherche à nuire aux vivants. Alors que le film de Hayao Miyazaki utilise ce terme comme titre pour sa protagoniste élevée par les loups, cette franchise, créée par Toei Animation, se concentre sur les esprits eux-mêmes et sur le mystérieux exorciste qui les affronte.
L’histoire de l’Apothicaire n’a pas commencé avec un long métrage ni même avec sa propre série. Sa genèse se trouve dans l’arc final d’une anthologie télévisée, Ayakashi: Samurai Horror Tales. Cette histoire en trois épisodes, intitulée « Bakeneko » (Le Chat Fantôme), était dirigée par un réalisateur alors émergent, Kenji Nakamura. Son approche visuelle d’une originalité saisissante et son récit captivant se sont avérés si populaires qu’ils ont justifié une série dérivée. Le résultat fut une série de 12 épisodes, simplement intitulée Mononoke, qui a vu Nakamura et son équipe étendre l’univers de l’Apothicaire, créant cinq nouveaux récits d’enquête surnaturelle.
Malgré une diffusion tardive à la télévision, la série Mononoke a rapidement été acclamée par la critique et a rassemblé une communauté de fans internationaux passionnés, consolidant son statut de classique culte. Son héritage durable repose sur son esthétique révolutionnaire, fortement inspirée des formes d’art traditionnelles japonaises comme les estampes ukiyo-e et le théâtre Kabuki, ainsi que sur sa structure narrative cérébrale, qui transformait chaque histoire en un mystère psychologique. La série abordait également des thèmes matures, notamment l’oppression systémique des femmes dans le Japon féodal, ce qui lui a conféré une profondeur qui a résonné bien au-delà du genre de l’horreur.
Pendant plus d’une décennie, la série est restée le chapitre définitif du voyage de l’Apothicaire. L’annonce d’un nouveau projet de long métrage a donc été accueillie avec une immense impatience. Cette renaissance est une continuation directe, prévue comme une trilogie de films. Le premier volet, Mononoke, le film : Un fantôme sous la pluie, est sorti, suivi par Les cendres de la rage comme deuxième chapitre. Un troisième film, Mononoke the Movie: Hebigami, est prévu pour une sortie future, promettant une conclusion grandiose à cette nouvelle saga. La viabilité du projet a été puissamment démontrée par une récente campagne de financement participatif lancée pour le 15e anniversaire de la série originale. Elle a largement dépassé son objectif initial, témoignant du dévouement indéfectible de sa base de fans mondiale et confirmant que l’attente pour le retour de l’Apothicaire était plus forte que jamais.
Les esprits créatifs derrière les cendres
Le succès artistique de Les cendres de la rage repose sur une équipe créative qui allie habilement la continuité de la franchise à de nouveaux talents. À la tête du projet en tant que Directeur en Chef (総監督, Sō Kantoku) se trouve Kenji Nakamura, le réalisateur visionnaire de la série télévisée originale, qui agit comme le gardien créatif global de la franchise. La réalisation de ce chapitre spécifique est confiée à Kiyotaka Suzuki, un cinéaste au CV impressionnant qui inclut son travail sur Evangelion: 3.0+1.0 Thrice Upon a Time. Le scénario est signé Yasumi Atarashi, connu pour son travail sur Star Wars: Visions. La partition immersive du film est composée par Taku Iwasaki, qui revient après le premier film, tandis que le rôle crucial de Directeur du Son est assuré par le vétéran de l’industrie Yukio Nagasaki. Le film est une coproduction des studios d’animation EOTA et Crew-Cell, distribué par Giggly Box et Twin Engine, avec les droits de distribution mondiaux acquis par Netflix.
Le casting vocal principal est mené par Hiroshi Kamiya dans le rôle de l’Apothicaire. Il est rejoint par Haruka Tomatsu dans le rôle de la posée et disciplinée Botan Ōtomo et Yoko Hikasa dans celui de sa rivale, l’émotive Fuki Tokita. Le casting comprend également Tomoyo Kurosawa dans le rôle de la compétente servante Asa, Kenyu Horiuchi dans celui de l’influent Conseiller Ōtomo, Chō dans celui de Yoshimichi Tokita, et Yuki Kaji dans celui de Saburōmaru Tokita.
Cette division du travail créatif, en particulier la structure à double réalisateur, sert de parallèle fascinant aux thèmes centraux du film. Kenji Nakamura, en tant que Directeur en Chef, incarne la perspective « macro », établissant le cadre philosophique et les règles esthétiques globales. Dans ce cadre, Kiyotaka Suzuki intervient avec un rôle « micro », chargé de raconter une histoire puissante et autonome. Cette tension créative — celle d’un artiste individuel opérant à l’intérieur d’un système plus vaste et établi tout en le repoussant — reflète parfaitement le sort des personnages du film naviguant dans la structure rigide et inflexible de l’Ōoku.
Intrigue, envie et la complainte du Hinezumi
Le récit de Les cendres de la rage commence un mois après la résolution du premier film. L’Apothicaire est de nouveau attiré par l’Ōoku, mais cette fois son attention se porte sur le monde raréfié et bien plus venimeux des concubines de haut rang. Au cœur de l’histoire se trouve une rivalité amère entre deux des consortes les plus importantes de l’empereur : Fuki Tokita, la favorite actuelle de l’empereur dont le statut est précaire, et Botan Ōtomo, issue d’une famille puissante et concentrée sur le devoir du harem de produire un héritier.
Il ne s’agit pas d’une simple querelle ; la rivalité est une guerre par procuration menée par leurs pères, qui considèrent leurs filles comme des atouts politiques dans un jeu où le prix ultime est d’assurer la lignée impériale. Les tensions latentes explosent en une horreur surnaturelle lorsqu’une concubine de haut rang entre en combustion spontanée. La crise s’intensifie de façon dramatique lorsque Fuki donne naissance à ce qui est considéré comme un « enfant non désiré », faisant d’elle la cible de conspirations. La force malveillante derrière les flammes se révèle être le Hinezumi, ou « Rat de Feu ». Ce mononoke se manifeste sous la forme d’un groupe d’apparitions enfantines et insaisissables à la recherche de leur mère. Fait crucial, leurs attaques ne sont pas aléatoires ; elles ciblent spécifiquement ceux qui feraient du mal aux nouveau-nés, suggérant que l’esprit est celui d’une protection vengeresse, né d’une profonde tragédie liée à la maternité au sein du système cruel de l’Ōoku.
Le sophisme de composition dans un monde de cendres
Bien que le récit soit un mystère surnaturel captivant, son véritable poids réside dans son cadre thématique sophistiqué. La trilogie de films dépasse l’horreur psychologique individualisée de la série originale pour aborder un malaise plus large et systémique, articulé par le Directeur en Chef Kenji Nakamura comme le « sophisme de composition ». Ce concept, qui postule qu’une action bénéfique pour un individu peut être préjudiciable lorsqu’elle est adoptée par le groupe, devient la lentille à travers laquelle le film examine la société de l’Ōoku. L’Ōoku sert de microcosme à une société régie par une logique froide et globale où les émotions individuelles sont rendues secondaires. C’est de la friction entre ce système de niveau macro et les émotions de niveau micro de ses habitants que naît le mononoke.
Cette orientation thématique représente une évolution délibérée de la prémisse centrale de la franchise, s’adaptant à un monde contemporain où l’expression individuelle est constante et amplifiée. Le problème n’est plus que les individus ne sont pas entendus, mais que leurs voix amplifiées se heurtent souvent à la logique des systèmes qu’ils habitent. Sous cette critique sociale se cache un sous-thème poignant sur le pardon et les liens entre parents et enfants. Le Hinezumi est explicitement lié à une tragédie passée impliquant une mère forcée d’abandonner son enfant. L’accent mis par le film sur cette « histoire de parents et d’enfants » ajoute une couche de tragédie émotionnelle intime à ses préoccupations philosophiques plus larges, ancrant le concept abstrait de l’échec systémique dans la douleur tangible de la perte personnelle.
La méthode de l’exorciste : Déconstruire la Forme, la Vérité et la Raison
Au cœur de l’identité de la franchise Mononoke se trouve le mécanisme narratif unique qui régit le pouvoir de son protagoniste. L’épée d’exorcisme de l’Apothicaire reste scellée jusqu’à ce qu’il puisse pleinement comprendre la nature de l’esprit en discernant trois éléments vitaux : son Katachi (形), son Makoto (真) et son Kotowari (理). Cette clé tripartite, basée sur le concept bouddhiste ésotérique des « Trois Mystères », transforme chaque histoire en un profond exercice de détection surnaturelle et d’empathie psychologique.
Le Katachi est la Forme : l’apparence physique et la manifestation du mononoke. Le Makoto est la Vérité : les circonstances factuelles qui ont conduit à sa création. Le Kotowari est la Raison ou le Motif : la logique émotionnelle de sa rancune, le « pourquoi » qui motive ses actions. Dans Les cendres de la rage, ce cadre évolue. Le Katachi et le Makoto du Hinezumi sont relativement faciles à déterminer. Le véritable défi est le Kotowari. Les attaques spécifiques et délibérées de l’esprit suggèrent une logique complexe qui ne peut être attribuée au seul regret d’une seule personne. La « Raison » n’est pas simplement la tragédie d’un individu, mais la faillite morale collective de tout le système de l’Ōoku, forçant l’Apothicaire — et le public — à comprendre une maladie sociétale pour achever l’exorcisme.
Une toile en mouvement : L’art incomparable de Mononoke
La franchise Mononoke se définit par son style visuel à couper le souffle, et Les cendres de la rage perpétue cet héritage de « maximalisme visuel ». L’esthétique est une synthèse étonnante de l’art traditionnel japonais et de l’animation moderne, fortement influencée par les perspectives plates et les compositions audacieuses des estampes ukiyo-e. Un élément signature est l’utilisation de textures numériques pour simuler l’aspect du papier washi fait main, conférant à chaque image une qualité tangible.
La cinématographie rejette les conventions, se caractérisant par des coupes rapides et des mouvements de caméra dynamiques qui balaient les environnements en couches, conçus pour ressembler à une « attraction » palpitante. La couleur est utilisée pour un effet symbolique et émotionnel puissant, avec une palette vibrante et surréaliste qui a été délibérément saturée pour « mondialiser » l’esthétique et obtenir un impact maximal sur un public international. L’expérience auditive est tout aussi méticuleusement conçue. La bande-son, du compositeur Taku Iwasaki, mélange de manière inventive l’instrumentation japonaise traditionnelle avec le rock moderne. Le design sonore, supervisé par le vétéran Directeur du Son Yukio Nagasaki, est crucial pour établir l’atmosphère inquiétante du film, utilisant magistralement à la fois le silence et des effets réalistes et percutants pour augmenter la tension.
Un feu ardent dans le paysage de l’anime
Mononoke, le film : Chapitre II – Les cendres de la rage s’impose comme une œuvre triomphante et essentielle dans le paysage de l’animation contemporaine. C’est une synthèse magistrale d’esthétique de film d’art et d’essai, d’horreur psychologique troublante et de commentaire social incisif, prouvant qu’une franchise peut renaître non pas comme un simple exercice de nostalgie, mais comme une force vibrante et intellectuellement rigoureuse. Le film a été accueilli par des critiques élogieuses, salué comme un « mystère surnaturel visuellement époustouflant avec un aperçu du rôle tragique des femmes dans le harem impérial ». Cette réception positive a été confirmée par le public du Festival international du film Fantasia, où le film a remporté le Prix du Public de Bronze.
Sur le plan critique, Les cendres de la rage est considéré comme une suite fantastique. Bien qu’une partie de la nouveauté de son style visuel unique ait pu être tempérée par le film précédent, il est largement considéré comme ayant réussi à porter le poids immense des attentes, livrant une histoire riche à la fois émotionnellement et philosophiquement. C’est une expérience exigeante, dense et enrichissante qui respecte l’intelligence de son public. En fin de compte, Les cendres de la rage est plus que le deuxième acte d’une trilogie ; c’est une déclaration puissante sur les capacités durables du médium animé. Il attise magistralement les flammes de l’anticipation pour le dernier chapitre de la trilogie, laissant le public méditer sur les ténèbres qui se cachent dans le cœur humain et sur l’espoir faible et vacillant de l’exorcisme et de la compréhension.
