À l’occasion de notre bicentenaire, la National Gallery célèbre le retour au public de la Madonna et l’Enfant avec Saints (1526-1527) de Parmigianino, après une décennie de soins de conservation méticuleux.
Chef-d’œuvre de la peinture italienne du XVIe siècle, cette œuvre a été offerte à la Galerie en 1826, deux ans après sa fondation.
Également connue sous le nom de La Vision de Saint Jérôme, un titre acquis au XIXe siècle en réponse à la représentation inhabituelle du saint apparemment endormi, l’autel sera exposé pour la première fois aux côtés d’une sélection de certains des dessins préparatoires les plus importants, retraçant le développement de la composition unique de Parmigianino.
Grâce à des œuvres généreusement prêtées par des collections nationales et internationales majeures, cette exposition offre aux visiteurs une rare opportunité de suivre le processus créatif de l’artiste, des idées conceptuelles initiales aux dessins finaux, et de plonger dans l’esprit de l’un des artistes les plus innovants de la Renaissance.
Girolamo Francesco Maria Mazzola (1503-1540), connu sous le nom de Parmigianino en raison de sa ville natale de Parme, dans le nord de l’Italie, était issu d’une famille de peintres. Dès ses vingt ans, Parmigianino était reconnu comme un talent précoce, attirant l’attention de riches mécènes cultivés. Sa renommée croissante en tant qu’artiste a précédé son arrivée à Rome vers mai 1524, où il a été reçu personnellement par le pape Clément VII. À cette époque, Rome était dominée par le style serein et classicisant de Raphaël, incarnant une beauté idéalisée. La grâce, l’ingéniosité et le raffinement d’exécution évidents dans les premières œuvres de Parmigianino lui ont valu d’être salué comme un Raphaël renaissant.
La Madonna et l’Enfant avec Saints a été peinte par Parmigianino alors qu’il n’avait que 23 ans, durant sa brève période à Rome, où il a travaillé de 1524 à 1527. Cette œuvre a été commandée par une noble mécène, Maria Bufalini, pour servir de retable dans une chapelle de l’église San Salvatore in Lauro, un complexe religieux important au cœur de la ville. Ce fut une opportunité majeure pour le jeune artiste à un moment crucial de sa carrière. Pourtant, le tableau ne serait jamais installé dans l’église pour laquelle il était destiné.
Selon Giorgio Vasari (1511-1574), Parmigianino travaillait sur ce retable en 1527, au début du désastreux Sac de Rome. Lorsque les troupes impériales de Charles V pénétrèrent dans l’atelier de l’artiste, elles furent si étonnées par la peinture qu’elles permirent à Parmigianino de continuer à travailler. Il finit par fuir Rome, et la peinture fut cachée pour être mise en sécurité. Ce n’est que bien après la mort de l’artiste que les héritiers de la mécène ont récupéré la peinture et l’ont transférée dans l’église familiale à Città di Castello, en Italie centrale.
La Madonna de Parmigianino démontre l’étendue des influences qu’il a absorbées à Rome, allant de l’art de Raphaël et Michel-Ange à la sculpture antique. Bien plus qu’une simple compilation des œuvres d’autres artistes, elle révèle l’approche visionnaire unique de Parmigianino dans la création d’images.
Contre des rayons de lumière, une majestueuse Madonna vêtue de rose est assise sur un trône de nuages tourbillonnants. Son fils, un bambin blond aux boucles dorées, s’avance vers nous. En dessous, la figure surhumaine de Jean-Baptiste fixe notre regard, son bras démesurément long dirigeant notre attention vers la sainte mère et l’enfant au-dessus. Derrière lui, un Jérôme endormi semble étrangement inconscient de l’apparition divine, se prélassant dans l’enchevêtrement épais de racines et de feuilles autour de lui.
Parmigianino était l’un des dessinateurs les plus talentueux et prolifiques du XVIe siècle. Près de 1 000 dessins lui sont attribués aujourd’hui, et en nombre et en accomplissement technique, il n’est surpassé que par Léonard de Vinci (1452-1519). Parmigianino a consacré de nombreux dessins au développement de la Vision de Saint Jérôme, allant d’études à la craie veloutées et atmosphériques à des croquis à la plume et à l’encre tourbillonnants. Ils révèlent son dessin exquis et sa maîtrise extraordinaire des médiums.
Le récent traitement de conservation a permis de retirer les couches accumulées de vieux vernis et de retouches, révélant la qualité vive de la technique picturale de Parmigianino et la richesse de sa palette de couleurs. Le nouveau cadre du tableau, réalisé par le département de cadrage de la National Gallery, est conçu sur la base d’exemples contemporains survivants et donne une idée du cadre original de l’église pour lequel le tableau a été conçu.
Son style distinctif, caractérisé par des figures exagérément allongées et une atmosphère de raffinement couplée à une subversion inattendue de l’espace, a ouvert la voie au développement du style plus tard connu sous le nom de Maniérisme. Avec sa verticalité extrême de composition, sa technique picturale luxuriante et sa palette scintillante, cette peinture a émerveillé les spectateurs pendant près de 500 ans. Cette exposition est une occasion de redécouvrir l’un des grands chefs-d’œuvre du premier Maniérisme italien pour le public et les spécialistes.
Le catalogue de l’exposition offre une ressource approfondie sur la peinture par les commissaires de l’exposition, avec des contributions de Aimee Ng, conservatrice à la Frick Collection de New York, et Larry Keith, chef de la conservation et conservateur de la collection à la National Gallery. Le catalogue présente également une section spéciale avec des illustrations en pleine page de tous les dessins préparatoires connus. Les recherches du Dr Alambritis présentées dans cette exposition ont été soutenues par la Fondation Rick Mather David Scrase.
