NEW YORK, NY – Alisan Fine Arts a le plaisir de présenter Lumière, Espace et Temps, une exposition collective mettant en vedette le travail des artistes visuels américano-asiatiques basés en Californie : Julie W Chang, Summer Mei Ling Lee et Zhang Jian-Jun. Influencés par la côte californienne et le mouvement « Lumière et Espace », Chang, Lee et Zhang abordent la lumière et l’espace à travers une autre dimension. Informées par des perspectives historico-culturelles, leurs pratiques ajoutent un élément « temps » aux œuvres de l’exposition. Lumière, Espace et Temps se déroulera du 2 mai au 22 juin 2024, dans la nouvelle galerie new-yorkaise d’Alisan Fine Arts, récemment ouverte. L’ouverture de l’exposition aura lieu le 2 mai, de 17h à 20h.
La lumière particulière de la côte californienne a longtemps inspiré le travail des artistes vivant et travaillant sur la côte ouest des États-Unis, notamment dans les œuvres atmosphériques des artistes associés au mouvement Light and Space (1950-1970). Les artistes qui faisaient partie de ce mouvement – notamment Robert Irwin, James Turrell et Larry Bell – ont généralement créé un art minimaliste préoccupé par la façon dont les formes géométriques et l’utilisation de la lumière peuvent affecter l’environnement et la perception. En introduisant le temps – à travers l’entrelacement et la superposition de symboles culturels historiques et contemporains et en explorant les histoires personnelles et le monde naturel – les artistes de Lumière, Espace et Temps créent des œuvres qui sont également préoccupées par la manière dont le personnel et l’historique affectent l’environnement et notre perception.
Basée à San Francisco, Julie W Chang examine comment les identités sont construites et comment les (in)compréhensions de soi et des autres pourraient être résistées, subverties et réimaginées. Ses peintures utilisent des symboles culturels anciens et contemporains pour rendre visibles les histoires cachées et illustrer l’hybridité culturelle inhérente au monde. Des œuvres issues des deux séries récentes de Chang qui s’inspirent de sources visuelles familières, comme le symbole chinois du double bonheur et le caractère sanskrit pour AUM, un symbole du divin dans l’hindouisme, le bouddhisme et le jaïnisme, seront présentées. Migration I, II et III, par exemple, s’inspirent des composants visuels et techniques du tissage. Des formes géométriques flottent à travers les compositions presque monochromatiques, des formes de diamants scintillants et d’autres motifs se connectant et se chevauchant parfois. Incorporant de la résine, la série Talisman de Chang est composée de peintures éblouissantes composées de couches intriquées et colorées. Fusionnant des symboles de guérison, de sagesse, de rédemption, de joie, d’illumination, d’interdépendance et de paix, les œuvres sont des compendiums de bonne volonté. Faisant référence à leur nature composite, Chang intitule les œuvres comme des portemanteaux (Lokhandaum, Cricketankursi, Happycricketstar), des composites qui reflètent l’imagerie de chaque pièce. Vues ensemble, ces œuvres sont une représentation visuelle de l’histoire humaine et des réalités contemporaines.
Summer Mei Ling Lee, également basée à San Francisco, explore les thèmes de l’absence et de la présence, de l’impermanence du patrimoine culturel et de la relation de l’humanité avec « l’inconnu », à travers ses peintures représentant l’étendue de l’horizon océanique. Ses œuvres en diptyque sur papier et montées sur des structures en bois forment une image miroir de l’horizon, rappelant l’idée de « ciel et terre » dans les mythes chinois de la création. Les installations précédentes de l’œuvre de Lee ont inclus des visuels projetés, avec des images qui se déplacent entre des couches de feuilles de papier translucides ; Lee utilise la lumière pour créer différents niveaux de visualisation. Dans l’exposition actuelle, ses cyanotypes récents ont un effet similaire. Lee imprime des photos de famille sur des couches de gaze afin que le spectateur voie diverses perspectives lorsqu’il se déplace autour de l’œuvre, comme la mémoire et l’histoire humaine changent en fonction du temps et du lieu. Into the Nearness of Distance XX dépeint la grand-mère de l’artiste, son image flottant dans une forêt bleue dense et translucide. Into the Nearness of Distance XXII montre une image de son fils, ainsi que l’image d’une main suspendue d’en haut, peut-être un symbole du divin.
Évoquant plus directement la divinité, l’Annonciation 1 et 3 rappellent les retables de la Renaissance, peints et dorés à la feuille d’or et représentant des images du fils et de la grand-mère de Lee aux côtés d’oiseaux, un autre motif récurrent dans l’œuvre de l’artiste. Selon l’artiste, « la feuille d’or forme un fond énigmatique et lumineux, un lieu mystérieux où les ancêtres, les descendants et les oiseaux les plus proches de moi) peuvent émerger ou se retirer… ». Vue à travers le prisme de l’histoire de sa famille, l’œuvre de Lee offre une perspective nuancée et personnelle du patrimoine culturel, qui évolue et change plutôt que d’être fixé dans le temps.
Basé à Venice, Los Angeles, Zhang Jian-Jun explore de manière constante trois concepts fondamentaux de l’histoire de l’art : l’interaction entre la nature et l’homme, les traces laissées par les gens au fil du temps et la relation entre la vie traditionnelle et moderne. Sa série de peintures Rubbings est créée comme un dialogue avec les phénomènes du monde naturel – la lumière du soleil, les gouttes de pluie et le cosmos. Parlant de son travail, Zhang se souvient souvent du moment où il a appris pour la première fois que la lumière des étoiles met des millions d’années à atteindre nos yeux. Rubbing Cosmos est une interprétation de ce concept du passage immense du temps et de la confrontation avec cette réalité. Rubbing Planet in Shiu-mo Space, Rubbing White Planet montre une forme circulaire flottant dans un vide monochromatique texturé ; Rubbing Blue Planet et Rubbing Black Planet ajoutent une couleur vive à l’étendue. Unique à cette série est une ‘météore’ – une pierre recouverte de papier mâché – qui pend à côté de chaque peinture.
Les sculptures China Chapter de Zhang sont également influencées par le temps, mais à une échelle plus courte et plus humaine. Ses œuvres en caoutchouc silicone sont moulées à partir de vases en céramique anciens datant des dynasties Han, Tang et Song. Leur matériau contemporain fait allusion à la nature évolutive de la connectivité mondiale d’aujourd’hui, juxtaposant les artefacts historiques de la Chine avec son rôle de « fabricant pour le monde ». Zhang invite le spectateur à reconsidérer combien rapidement ces intersections d’échanges culturels deviennent de l’histoire.
L’exposition collective s’ouvre à la fin du mois d’avril, en corrélation avec le Mois du patrimoine américano-asiatique et des îles du Pacifique en mai 2024. Le mois AAPI reconnaît les contributions et l’influence des Américains d’origine asiatique et des insulaires du
Light, Space and Time
Alisan Fine Arts
120 E 65th St, New York, NY 10065.
